Encyclopedia of Music - Stora kompositörer. Kreativt arbete "samtida" S.S. Prokofiev och D.D. Shostakovich Samtida av Prokofiev som han träffade

Prokofiev S.S.

Sergey Sergeevich (11(23)IV 1891, byn Sontsovka, nu byn Krasnoye, Donetsk-regionen - 5 III 1953, Moskva) - sov. kompositör, pianist, dirigent. Nar. konst. RSFSR (1947). Släkte. i familjen till en agronom som förvaltar godset. Familjen lyckades ge den begåvade pojken alla förutsättningar för snabb andlig mognad. Rollen som hans mamma, en bra pianist som blev hans första musa, var särskilt viktig. lärare Livet på en bygård bland stäppnaturen, bondsånger satte för alltid sina spår i kompositörens sinne och lade grunden för hans harmoniska kompositioner. världsbild. Vid 5 års ålder komponerade P. sin första pjäs för FP. Pojkens talang var mycket uppskattad av S.I. Taneyev; på hans rekommendation kom R.M. Gliere, P:s första kompositionslärare, till Sontsovka två gånger under sommarmånaderna. Studieår i St Petersburg. Konservatorier (1904-14) var en period av snabb kreativitet för P. utveckling, skapade en solid grund för hans kompositions- och pianistiska färdigheter. P. studerade med A.K. Lyadov (komposition), N.A. Rimsky-Korsakov (instrumentering), J. Vitol (formanalys). 1909 tog P. examen från konservatoriet i kompositionsklassen, 1914 - i php-klassen. (från A. N. Esipova; A. G. Rubinstein-priset för framförandet av hennes 1:a konsert för piano och orkester); Han studerade också dirigering hos H. N. Tcherepnin. Under sina studieår studerade P. tillsammans med sin vän och studiekamrat N. Ya Myaskovsky det senaste opuset. A.N. Scriabin, M. Reger, R. Strauss. Kompositören fick stöd i S:t Petersburg. cirkel "Evenings of Contemporary Music", och lite senare i Moskva. krets av kritiker V.V. Derzhanovsky. 1911—18 var P. intresserad av den senaste musiken. idéer. Besviken på estetik. värderingar av senromantik och ryska. akademisismen blev han inte en anhängare av estetiken. Skrjabins symbolism, inte heller Debussys impressionism; Inflytandet från I. F. Stravinskys arbete var mer märkbar. Nya trender inom litteraturen, poesin och måleriet spelade en viktig roll i bildandet av P. art. Han lockades av dikterna av A. A. Akhmatova och K. D. Balmont, rysk målning. anhängare av P. Cezanne och A. Matisse, teater. V. E. Meyerholds idéer. 1914 gav S. P. Diaghilev, en av P:s inflytelserika beskyddare och konsulter under det följande och ett halvt decenniet, honom i uppdrag för en balett. Sommarmånaderna 1913 och 1914 reste P. utomlands för att bekanta sig med främmande länder. krav Under första världskriget 1914-18 gav P. många konserter: i Petrograd, Moskva och andra städer i Ryssland. Kompositörens skarpa konst, sprängfylld av ungdom och bus, skrämde akademiker och esteter, men möttes av varmt stöd från de mest insiktsfulla samtida, bland vilka var M. Gorkij, V.V. Majakovskij, kritiker V.G. Karatygin, B.V. Asafiev. Konsertkompanierna A. I. Ziloti och S. A. Koussevitzky anordnade P:s författarkvällar, vilket väckte sensation.

Förrevolutionen Perioden av P:s kreativitet präglas av intensiteten i sökningar och stilistisk spänning. Evolution. Hans modiga påstående motsatte sig produktionen skarpt. dominerande inom musik är många. epigonerna Skrjabin och Debussy. P. kom från tidiga FP:s naivitet. sagor och gavotter till toccatans elementära konstruktivism (op. 11), från den neoklassiska "mozartianismen" i symfonietten (op. 5) till det vågade barbariet i "Scythian Suite" (op. 20) och kantaten " The Seven of Them” (op. 30), från den berömda traditionalismen från de tidiga romanserna (op. 9) till wokens insiktsfulla intonationsexperiment. sagor "Den fula ankungen" (op. 18) och romanser baserade på dikter av Akhmatova (op. 27). I bästa op. Den här gången avslöjades en ökad energi av rytmer, en djärv expansion av tonalitetsramen på grund av polymodala och affischfärgade harmonier, och en ny tolkning av php. Upplevde märkbara influenser från en grupp konstnärliga gestalter som förenades kring Diaghilev, men P. behöll sin speciella estetik. en position som fortsatte M. P. Mussorgskys och andra ryss traditioner. klassiker. Det första av verken som beställts av Diaghilev - baletten "Ala och Lolli" (baserad på antik slavisk mytologi, bibliotek S. M. Gorodetsky) - avvisades av kunden. Hela musiken från den misslyckade baletten ingick i orkestern "Scythian Suite". Dess premiär (1916) orsakade en skarp strid av åsikter och motstridiga bedömningar. Den andra ordningen (1915) - baletten "Sagan om narren som berättade sju gycklare" (baserad på sagorna från Perm-provinsen) - fungerade som ett incitament för P:s experiment inom området för uppdatering av ryska. Melos. Tvärtemot estetiken. doktrinen, som bekräftade balettens prioritet framför den "döende" operagenren, arbetade P. med entusiasm på operaområdet. Efter den romantiskt uttrycksfulla ”Maddalena” (1911, 2:a upplagan 1913) komponerade han ett lyrisk-psykologiskt stycke. operan "The Gambler" (1915-16, enligt F. M. Dostojevskij), som innehåller dragen att avslöja borgarklassens moral. samhälle. Operan kombinerar subtil lyrik och satir. skärpa, precision i deklamationen och spännande symfonier. injektion. P:s två första konserter för fp. fick det största erkännandet under dessa år. med en orkester. Lika viktig vid bildandet av P:s stil tillhörde det tidiga fp. sonater - speciellt den 2:a (1912), 3:e och 4:e (båda "1917), samt cykeln av sagoliknande miniatyrer "Fleetingness". 1917 var ett fruktbart år för P.; tillsammans med två sonater genomförde han 1:a konsert för fiol och orkester, ”Klassisk symfoni”, skrev sketcher till den 3:e konserten för violin och orkester.
Våren 1918 lämnade P. för slutet. resa till USA. När han uppträdde i New York mötte kompositören amerikansk konservatism. kritiker som inte uppskattade den innovativa kärnan i hans konst och fördömde honom som en "bolsjevik och skyter." 1919 skrev P. en excentriker för Chicago Theatre. opera-sagan "Kärleken till tre apelsiner" (efter C. Gozzi), idén till historien föddes i Ryssland (post. 1921, Chicago, sedan i Sovjetunionen och Tyskland). Efter att inte ha mött aktivt stöd i USA, reste P. till Paris 1920, där han snart fick erkännande tack vare hjälpen av Diaghilev och Koussevitzky

S. S. Prokofiev. Första sidan av partituret för den 10:e scenen i operan "Krig och fred". Autograf.
Den kraftfulla dynamiken i P:s musik beror till stor del på epokens turbulenta sociala omvälvningar. Samtida gissade i hans bästa opus. levande reflektioner av händelserna i både världskrig och revolutioner. tidiga katastrofer 1900-talet Bilderna av förhöjd grotesk och anklagande sarkasm, karaktäristiska för den unge P.s musik, var ett slags eko av den ryska intelligentsans stämning inför oktoberrevolutionen 1917. Allteftersom P:s talang mognade i hans stämning. konst, temat för att etablera de nya andliga krafterna hos de människor som hade slagit in på den inhemska sociohistoriska vägen transformationer. P. visade sig allt tydligare som socialistisk konstnär. era: från intuitiv förståelse av det revolutionäras element. förnyelse till medveten glorifiering av revolutionens heroik, patos för folkets befrielse. krig, skapandets glädje. P.s musik fick enorm popularitet i Sovjetunionen och utomlands.
Statistiken har upprepade gånger bekräftat att P. är en av 1900-talets mest repertoarförfattare. Hans operor och baletter visas ständigt på många teatrar. och zarub. musik teatrar Symfoniska sånger hörs över hela världen. och fp. pjäser av P. Sov. filmskapare filmade baletterna "Romeo och Julia" och "Askepott", operorna "The Gambler" och "The Love for Three Oranges". Medlem Akademien "Santa Cecilia" i Rom (1934), svenska. kung musik Akademien (1947), hedersledamot. "Skillful Conversation" i Prag (1946). stat USSR Ave. (1943, tre - 1946; 1947, 1951), Leninskaya Ave. USSR (1957, postumt, för den 7:e symfonin). P:s namn tilldelades Stat. strängar kvartett och musik skola i Moskva.
Huvuddatum för livet och aktiviteten
1891.-11(23) IV i byn Sontsovka, Bakhmut-distriktet, Ekaterinoslav-provinsen. (nu byn Krasnoye, Krasnoarmeisky-distriktet, Donetsk-regionen), föddes en son, Sergei, i familjen till agronomen S.A. Prokofiev.
1896. - Start av musiklektioner under ledning. mor. Första Op. - "Indian galopp" (för FP, inspelad av mamma). 1898. - Guvernant Louise Roblen spelade in ett antal fp. pjäser av unge P.
1900. - Resa med föräldrar till Moskva. - Besök på Bolshoy T-ra. - Komposition av operan "Giant" på egen hand. libr.
1901 - Sammansättning av operan "På de öde öarna". - En resa till släktingar i Kaluga-provinsen; amatörinlägg "Jätte" i Raevsky-godset. - Lektioner i allmänna pedagogiska ämnen till hands. far.
1902. - Resa med föräldrar till St Petersburg och Moskva. - Besök på Mariinsky T-ra. - Musikteorikurser med S.I. Taneyev och Yu.N. Pomerantsev. - På sommaren i Sontsovka klasser med R. M. Gliere.
1903. - På sommaren, R. M. Gliers andra besök i Sontsovka. - Skapandet av operan "A Feast during the Plague" baserad på A. S. Pushkin och en serie fp. miniatyrer.
1904.-II. En resa med mamma till S:t Petersburg för att komma in på vinterträdgården. - Samråd med A.K. Glazunov. - Lektioner från M. M. Chernov. - Arbeta med operan "Ondine" (libr. M. G. Kilshtet). - IX. Examination och antagning till konservatoriet i kompositionsklassen för A.K. Lyadov.
1905. - Deltagande i ett samlat brev från studenter till försvar av N. A. Rimsky-Korsakov, avskedad från konservatoriet.
1906. - Början av vänskap med N. Ya Myaskovsky; spela musik tillsammans. - Besöka författarkvällar av M. Reger; möte med A. N. Skrjabin. - Instrumentationslektioner från N. A. Rimsky-Korsakov.
1907. - Besök i "Circle of Beginning Composers". - Slutförande av arbete på Ondine.
1908. - Deltagande i kretsen ”Samtidsmusikens kvällar”, närmande till V. G. Karatygin, A. P. Nurok, V. F. Nouvel. - Start av att leda klasser med N. N. Cherepnin. - 18 XII. P:s debut i det 45:e mötet av "Evenings of Contemporary Music" (spanska musikalpjäser "Obsession", "Despair", "Fairy Tale" etc.).
1909. - Spanska symfonier e-moll Pridv. orkester (direktör G. Warlich). - Examen från konservatoriet i kompositionsklass. - Antagning till klassen A. N. Esipova (ph.).
1910. - Orchestral Op. P. - sketch "Höst" och symfoni. målning "Drömmar" spanska på en studentfest på konservatoriet. - Experiment inom genren romantik och kör. musik (op. 7 och 9). - Framträdanden på "Evenings of Contemporary Music". - Bekantskap med I. F. Stravinsky.
1911. - Närmande till Moskva. cirkel av V.V. Derzhanovsky - redaktör för tidskriften. "Musik". - Spanska "Drömmar" och "Höst" på sommarsymfonin. konserter (dirigent K. S. Saradzhev, Moskva, Sokolnichesky Circle).
1912.-25 VII. Första konserten för fp. med orkester framförd av författaren i Moskva. Nar. hus (direktör K. S. Saradzhev). - Tryckta tal av N. Ya. Myaskovsky till försvar av P.s musik på tidskriftens sidor. "Musik".
1913.-23 VIII. Första spanska författare till den andra konserten för fp. med en orkester. – En resa med min mamma utomlands (Frankrike, Storbritannien, Schweiz). - Möte med K. Debussy på redaktionen i St. Petersburg. tidskrift "Apollo".
1914. - Utexaminerad från konservatoriet med examen i fysik. - Resa till London, besöka "Russian Seasons" av S. P. Diaghilev; skapande av baletten "Ala och Lolliy" på hans beställning.
1915. - Resa till Italien, - Författaruppträdanden i Rom. - Lära känna italienska. futurister.
1916.-16 I. Premiär av "Scythian Suite", baserad på materialet från baletten "Ala och Lolliy". - Inkludering av operan "The Gambler" i repertoaren av Mariinsky Theatre. - Författarföreställningar i Petrograd, Moskva, Kiev, Saratov. - Början av samarbete med S. A. Koussevitzkys förlag.
1917. - Kontakter med V. E. Meyerhold (direktör för "The Player"). - Att träffa M. Gorkij. - Entusiastisk reaktion på händelserna under februarirevolutionen. - Deltagande i "Union of Artists" tillsammans med A. A. Blok, V. V. Mayakovsky, V. E. Meyerhold. - Konceptet med operan "The Love for Three Oranges" (på råd från Meyerhold).
1918. - Återvända till Petrograd. - Vänliga möten med V.V. Mayakovsky (Moskva, "Poeternas café"). - IV. "Prokofjevs" vecka i Petrograd: spanska. Klassisk symfoni, "Fleetingnesses", 3:e och 4:e fp. sonat - Möte med folkets kommissarie för utbildning A.V. Lunacharsky. - Avresa utomlands på en affärsresa för Folkets kommissariat för utbildning. - Res genom Sibirien och Fjärran Östern. - Författarkonserter i Tokyo och Yokohama (juni), New York och Chicago (okt.-dec.).
1919. - Slutförande av operan "The Love for Three Oranges" baserad på sagan av C. Gozzi för Chicago Opera Theatre. - Konc. resor runt Amerika.
1920. - Svårigheter med produktionen av operan "The Love for Three Oranges" i Chicago. – En resa till Paris. - Konc. föreställningar i Kalifornien och Mexiko.
1921. - Spanska "Scythian Suite" och balett "The Tale of the Fool..." i Paris; stor framgång. - 16 XII. Första spanska 3:e konserten för fp. med orkestern i Chicago. - 30 XII. Premiär för operan "The Love for Three Oranges" (ibid.).
1922. - Flytta till Tyskland (staden Ettal i Bayern). - Förberedelse för tryckning av en serie manuskript (för förlaget "Edition Musicale Russe"), - Möten i Berlin med V.V. Mayakovsky. - Korrespondens med Sov. vänner (N. Ya. Myaskovsky, B. V. Asafiev, V. V. Derzhanovsky). - Äktenskap med sångaren L. Leubera.
1923. - Flytta till Paris. - 18 X. Första användning. 1:a konserten för violin och orkester, dess avslag i modernistiska kretsar i Frankrike.
1924.-9 III. spanska 5:e sonaten för fp. i Paris; underkännande av produktion av allmänheten. - Spanska 2:a fp. konsert (2:a uppl., 8 V) och kantaten "The Seven of Them" (29 V).
1925.-6 VI. Första spanska 2:a symfonin på konsert av S. A. Koussevitzky. - inlägg. operan "Kärleken till tre apelsiner" i Köln. – Förhandlingar om slutet. resor till Sovjetunionen. – Framgångsrika turnéer i väst. Europa och USA.
1926 - post. operor "Kärleken till tre apelsiner" i Leningrad (18 II) och Berlin (9 X). - Möte med M. Gorky under en turné i Italien. - Förhandlingar med V.Z. Meyerhold om omarbetningen av operan "The Gambler".
1927.-I-III. Stanna i Sovjetunionen. - Den triumferande framgången för Ps originalkonserter i Moskva, Leningrad, Kharkov, Kiev, Odessa. - 14 IV. Konc. spanska i Paris fragment ur operan "Fiery Angel" under ledning av. Koussevitzky. - 7 VI. Premiär för baletten "Leap of Steel" i Paris.
1929. - Första spanskan. i Paris den 3:e symfonin (17 V, dir. P. Monteux) och baletten "Förlorade Son" (21 V, koreografi av J. Balanchine). - XI. Andra resan till Moskva; vänliga kontakter med V. E. Meyerhold och V. V. Mayakovsky.
1930. - Tre månaders turné i USA. - Spanska 4:e symfonin i Boston (XI 14) och Paris (XII 18).
1931. - Aktiv konc. verksamhet (Frankrike, Storbritannien, Belgien, Tyskland, Tjeckoslovakien).
1932.-31 X. Första användning. författare till den 5:e konserten för fp. med orkester i Berlin (dirigent W. Furtwängler). - Inbjudan till Moskva för kompositionskurser med doktorander från konservatoriet. - Första spanskan i Paris, baletten "On the Dnepr" (Grand Opera Theatre, koreografen S. Lifar) och en sonat för 2 violiner. - XI. Tredje resan till Sovjetunionen; P:s beslut att återvända till sitt hemland ("Jag återvänder hem till sovjetisk mark med den största glädje").
1933 - Sommarsemester i södra Frankrike i en framstående kommunists hus. figur J. Sadoul. - Hösten. Börjar arbeta som lärare-konsult i Moskva. vinterträdgård (till 1937).
1934. - Konc. föreställningar i Ukraina och Transkaukasien. - Semester vid Medelhavets stränder. - Samarbete med Moskva. Kammarmusik (musik till pjäsen "Egyptiska nätter", koreografi av A. Ya. Tairov).
1935.-IV. Premiär av "Egyptian Nights" på Kammarteatern med musik av P. - XII. Konc. resa med franska violinisten R. Soetan till Spanien och Norden. Afrika.
1936.-2 V. Första användning. symfoni sagor för barn "Peter och vargen". - Den första spanjoren "Rysk uvertyr" och symfoni. Svit från "Romeo och Julia". - Turné i väst. Europa och USA.
1937. - Idén om en kantat om erövrarna av norr. stolpar.
1938. - Sista konc. turné utomlands. - Studie av ljudfilmstekniker i Hollywood studios. - XI. spanska konsert för cello och orkester på ugglornas årtionde. musik i Moskva. - 1 XII. Release av filmen regisserad av S. M. Eisenstein "Alexander Nevsky" med musik av P. - 30 XII. Premiär för baletten "Romeo och Julia" i Brno (Tjeckoslovakien).
1939. - Arbete i samarbete med V. E. Meyerhold på operan "Semyon Kotko". - Skapande kommer att lägga till. nummer till baletten "Romeo och Julia" för Leningrad. teater för opera och balett. - 17 V. Första användning. kantaten "Alexander Nevskij". - 21 XII. Första spanska kantaten "Zdravitsa".
1940.-11 I. Första inlägget. balett "Romeo och Julia" i Leningrad. t-re av opera och balett (balettmästaren L. M. Lavrovsky). - 20 IX. Premiär för operan "Semyon Kotko" i Moskva. opera uppkallad efter. K. S. Stanislavsky.
1941.-V-VI. Slutna visningar av serier. opera "Duenna" ("Trolovning i ett kloster") i Moskva. opera uppkallad efter. K. S. Stanislavsky. - Kapitel ur Ps självbiografi publicerades i tidskriften. "Sovjetisk musik". - Äktenskap med poetinnan M. A. Mendelssohn. - Första svar på händelserna under det stora fosterländska kriget. krig 1941-45: symfoni. Svit "1941", sånger och marscher. - Evakuering till Nalchik. - XI. Transfer till Tbilisi.
1942 - Flytta till Alma-Ata på inbjudan av S. M. Eisenstein för att arbeta med filmen "Ivan the Terrible". - IX. Första spanska 2:a kvartetten i Moskva. - Framgångsrik spanska kantaten "Alexander Nevsky" i Storbritannien och USA. - En resa till Moskva med ett stopp i Semipalatinsk (för att arbeta på framsikten för filmen "Partisans in the Steppes of Ukraine").
1943.-18 I. S. T. Richter användes för första gången. 7:e sonaten för fp. - II. Tanken är kazakisk, komisk. opera "Khan Buzay". - VI. Flyttar till Perm. - X. Återvänd till Moskva.
1944.-21 II. Första spanska kantaten "Balladen om den okände pojken". - 16 X. Första föreställning av operan "Krig och fred" (under scenen, Ensemble of the Soviet Opera WTO, Moskva). - 30 XII. spanska E. G. Gilels 8:e sonat för fp.
1945.-13 I. Första användning. 5:e symfonin (P:s sista dirigentföreställning). - Allvarlig sjukdom (hypertoni). – Efter en lång behandling, arbeta på House of Creativity i Ivanovo. - 7 VI. Konc. spanska opera "Krig och fred" i Konservatoriets stora sal (dir. S. A. Samosud). - 21 november Premiär för baletten "Askungen" på Bolsjojteatern (balettkoreografen R.V. Zakharov).
1946.-12 VI. Scenpremiär för operan "Krig och fred" i Leningrad. Small Opera Theatre (första 8 scenerna). - 23 X. Första användning. sonater för violin och fp. (op. 80) av D. F. Oistrakh och L. N. Oborin. - 3 XI. snabb. opera "Duenna" ("trolovning i ett kloster") i Leningrad. t-re opera och balett. - 22 XII. Balett "Romeo och Julia" för första gången inlägg. i Bolshoy T-r.
1947. - Tillfällig förbättring av hälsan till följd av en nästan permanent vistelse på en lantlig dacha i byn. Nikolina Gora. – Ta fart kreativt. aktiviteter: färdigställande av den 6:e symfonin (första versionen 11 X, Leningrad Philharmonic Hall, dirigent E. A. Mravinsky), en ny upplaga av den 4:e symfonin, samt 9:e FP. sonater
1948. - Närmande med dirigent S. A. Samosud. - 3 X. Misslyckad visning av operan "Sagan om en riktig man" i Leningrad. t-re opera och balett (stängd visning).
1949 - Allvarligt återfall av sjukdomen. - Samarbete med S. Ya. Marshak (början av arbetet med den symfoniska sviten "Winter Fire" och oratoriet "Guardian of the World").
1950.-1 III. Första spanska sonater för cello och piano. - 19 XII. Den första spanskan svit "Winter Fire" och oratoriet "Guardian of the World".
1951.-21 IV. Hedra P. vid tonsättarförbundet med anledning av 60-årsdagen av hans födelse.
1952.-18 II. Första spanska symfonikonsert för cello och orkester. - Tilldela P. personlig pension. - Beslutet att publicera utvalda verk av kompositören. - Slutet av den 7:e symfonin (beställd av All-Union Radio). - 11 X. Första användning. 7:e symfonin. - Idén om en konsert för två FP. och strängar. orkester.
1953. - Arbeta med grupperna Bolshoi T-ra och Moskva. musik t-ra dem. Stanislavsky och Nemirovich-Danchenko för förberedelserna för föreställningar av baletten "Stenblomman" och operan "Krig och fred". - P. komponerade sketcher till en Concertino för cello och orkester och en sonat för solocello. - 5 III. Död i Moskva lägenhet från en hjärnblödning. - Begravd på Novodevichy-kyrkogården.
Uppsatser : operor - Maddalena (intrig och bibliotek. M. Lieven, op. 13, 1911; 2:a uppl. 1913, ej spanska), Spelaren (efter F. M. Dostojevskij, libr. P., op. 24, 1915-16; 2:a uppl. 1927. post. 1929, Royal Court, Bryssel), The Love for Three Oranges (efter C. Gozzi, libr. P., op. 33, 1919, post. 1921, Chicago; 1926, Leningrad Theatre of Opera and Ballet). Fiery Angel (enligt V. Ya. Bryusov, libr. P., op. 37, 1919-27; slut. 1954, "T-R. Champs Elysees", Paris; post. 1955, T-R. "Fenice", Venedig), Semyon Kotko (libr. V. P. Kataev and P., op. 81, 1939; post. 1940, Opera House uppkallat efter K. S. Stanislavsky, Moskva), Trolovning i ett kloster (Dueña, efter R Sheridan, libr. P., op. 86 , 1940; post. 1946, Leningrad Theatre of Opera and Ballet), War and Peace (enligt L.N. Tolstoy, libr. P. och M.A. Mendelson-Prokofieva, op. 91, 1941-43; 2:a upplagan 1946-52; post. 1946, Leningrad. Maly Opera Theatre), The Tale of a Real Man (enligt B. N. Polevoy, libr. P. och M A. Mendelson-Prokofieva, op. 117, 1947-48; efter 1948, Leningrad Theatre of Opera and Balett, stängd visning; 1960, Bolsjojteatern); baletter - Sagan om en gycklare som skämtade med sju gycklare (baserad på ryska folksagor från Perm-provinsen, från samlingen av A. N. Afanasyev, bibliotek P., op. 21, 1915; 2:a uppl. 1920; post. 1921 , "Lyric Theatre", S. P. Diaghilevs trupp, Paris), Steel Leap (bibliotek G. B. Yakulov och P., op. 41, 1925; post. 1927, Diaghilevs trupp, Sarah Bernhardts teater, Paris), förlorade son (bibliotek B. Kokhno, op. 46, 1928; post. 1929, Diaghilevs trupp, ibid.), på Dnepr (libr. S. Lifar and P., op. 51, 1930; post. 1932, Teater "Grand Opera", Paris) , Romeo och Julia (enligt W. Shakespeare, bibliotek S. E. Radlov, A. I. Piotrovsky, L. M. Lavrovsky och P., op. 64, 1935- 36; post. 1938, teater "On Gradbach", Brno; 1940, Leningrad Theatre of Opera och balett), Askungen (bibliotek av N. D. Volkov, op. 87, 1940-44; post. 1945, Bolshoi T-r; State Ave. USSR, 1946), Tale of the Stone Flower (efter P. P. Bazhov, bibliotek M. A. Mendelson -Prokofieva och L. M. Lavrovsky, op. 118, 1948-50; efter 1954, Bolshoy T-r); för kör- och orkestersolister. - oratorium - On Guard of the World (text av S. Ya. Marshak, op. 124, 1950; State Ave. USSR, 1951); kantater The Seven of Them (text av K. D. Balmont, op. 30, 1917-18), För 20-årsdagen av oktoberrevolutionen (textmontage av P. från verk av K. Marx, F. Engels, V. I. Lenin, op. 74, 1936-1937), Alexander Nevsky (text av P. och V.A. Lugovsky, op. 78, 1938-39), Zdravitsa (text från rysk, ukrainsk, vitryska, kumykisk, kurdisk, mar. och Mord. folklore, op. 85, 1939), Ballad om en pojke som förblev okänd (text av P. G. Antokolsky, op. 93, 1942-43), Blossom, mighty land (text. E. A. Dolmatovsky, op. 114, 1947); voc.-symfoni sviter Songs of our days (text av A. Prishelets, V. I. Lebedev-Kumach, S. Ya. Marshak, folkmusik, op. 76, 1937), Winter Fire (äte, S. Ya. Marshak, op. 122, 1949; State Ave. USSR, 1951); för orc. - 7 symfonier (Classical, D-dur, op. 25, 1916-17; d-moll, op. 40, 1924; c-moll, op. 44, 1928; C-dur, op. 47, 1930, 2 1:a ed., op. 112, 1947; B-dur, op. 100, 1944, State Prospect of the USSR, 1946; es-moll, op. 111, 1945-47; cis-moll, op. 131, 1951 -52 , Leninskaya pr., 1957), symphonietta (A-dur, op. 5, 1909; 2:a uppl., 1914; 3:e uppl., op. 18, 1929), sviterna Ala och Lollii (Scythian Suite, op. 20, 1914- 15), The Jester (från baletten, op. 21 bis, 1922), The Love for Three Oranges (från operan, op. 33 bis, 1934), Leap of Steel (från baletten, op. 41 bis, 1926 ), Den förlorade sonen (ur baletten, op. 46 bis, 1929), Four Portraits and Denouement från operan "The Gambler" (op. 49, 1931), On the Dnepr (ur baletten, op. 51 bis, 1933), löjtnant Kizhe (ur musiken till filmen, op. 60, 1934), Egyptian Nights (ur musiken till pjäsen, op. 61, 1934), Romeo och Julia (1:a sviten från baletten, op. 64 bis, 1936, 2:a sviten från baletten, op.64 bis, 1936, 3:e sviten från baletten, op.101, 1946), Sommardagen (barnsvit, op. 65 bis, 1941), Semyon Kotko (från operan , op. 81 bis, 1941), 1941 (op. 90, 1941), Askungen (1:a sviten från baletten, op. 107, 1946; 2:a sviten från baletten, op. 108, 1946; 3:e sviten från baletten, op. 109, 1946), Waltzes (symfonisk svit i 6 delar, op. 110, 1946), Sommarnatt (från operan "Broothal in a Monastery", op. 123, 1950), Bröllopssvit (ur baletten "Sagan om stenblomman", op. 126, 1951) ; dikter - Trettio år (op. 113, 1947), Möte av Volga med Don (op. 130, 1951); ouvertyr (två versioner: för 17 artister och för stor orkester, op. 42, 1926; op. 42 bis, 1928), uvertyr på hebreiska. teman (op. 34 bis, 1934), rysk ouvertyr (två versioner: för en fyr- och tredubbel orkester, op. 72, 1936); symfoni bild Drömmar (op. 6, 1910), Divertimento (op. 43, 1925-29; slutarrangemang för fp., op. 43 bis, 1938), Symfonisk sång (op. 57, 1933), symfoni. sketch för hösten (op. 8, 1910), saga Peter och vargen (text av P., op. 67, 1936), symfoni. marsch (B-dur, op. 88, 1941), Ode to the End of the War (op. 105, 1945), Two Pushkin Waltzes (op. 120, 1949), Gypsy Fantasy (från baletten "Sagan om stenen" Flower", op. 127, 1951), Ural Rhapsody (ur baletten "The Tale of the Stone Flower", op. 128, 1951); konserter med orkester - 5 för fp. (Des-dur, op. 10, 1911-12; g-moll, op. 16, 1913, 2:a uppl. 1923; C-dur, op. 26, 1917-21; B-dur, op. 53, 1931, för vänster hand; G-dur, op. 55, 1932); 2 för skr. (D-dur, op. 19, 1916-1917; g-moll, op. 63, 1935), för hög. (e-moll, op. 58, 1933-38), symfonikonsert för h. (e-moll, op. 125, 1950-52), Concertino för hög. (g-moll., op. 132, fullbordad av en annan författare), för 2 fp. och strängar. orc. (op. 133, 1952, oavslutad); för ande orkester - 4 marscher (op. 69, 1935-37), marsch (op. 99, 1943-44); kammarinstrument ensembler - sonat för 2 sc. (op. 56, 1932); för skr. och fp. - 2 sonater (op. 80, 1938-46, Gos. pr. USSR, 1947; op. 94 bis, 1943-44, transkription av sonaten för flöjt och piano), 5 melodier (op. 35 bis, 1925); sonat för flöjt och piano. (op. 94, 1943); Sonata för HF och fp. (op. 119, 1949), Ballad for the Great. och fp. (op. 15, 1912), Humoristiskt scherzo för 4 fagotter (op. 12 bis, 1912), 2 stråkar. kvartett (op. 50, 1930; om kabardiska teman, op. 92, 1941), Ouvertyr på hebreiska. teman för klarinett, 2:a skalan, viola, vlch. och fp. (op. 34, 1919), kvintett för oboe, klarinett, bas, viola och kontrabas (op. 39, 1924); för fp. - sonater (op. 1, 1907, 2:a upplagan 1909; op. 14, 1912; op. 28, 1907, 2:a upplagan 1917; op. 29, 1908, arrangerade för orkester Andante, op. 29 bis, 1934, 1934 ; op. 38, 1923, 2:a upplagan, op. 135, 1952-53; op. 82, 1939-40; op. 83, 1939-42, State. USSR Ave., 1943; op. 84, 1939-1944 State Ave. USSR, 1946; op. 103, 1947; op. 137, 1953, oavslutad); 3 sonatiner (2 - op. 54, 1932; 3:e - Pastoral, op. 59, 1934), toccata (op. 11, 1912), Sarcasms (op. 17, 1912-1914), Fleetiness (op. 22, 1915- 17), Tales of an Old Grandmother (op. 31, 1918), 2 konc. transkriptioner från operan "Kärleken till tre apelsiner" (op. 33, 1918, två fragment ur operan), Saker i sig (op. 45, 1928), Tankar (op. 62, 1933-34), Barnmusik ( 12 lätta stycken, op. 65, 1935), Romeo och Julia (10 stycken för fp., sluttranskription från musiken till baletten, op. 75, 1937), Gavotte (op. 77, 1938, sluttranskription från musiken för pjäsen "Hamlet" "), 3 stycken ur baletten "Askungen" (op. 95, 1942), 10 stycken ur baletten "Askungen" (op. 97, 1943), 6 stycken ur baletten "Askungen" ( op. 102, 1944), 4 etyder (op. 2, 1909), pjäser (op. 3, 1911; op. 4, 1910-12; op. 32, 1918; op. 52, 1930-31; op. 59 1934, op. 96, 1941-42); för skr. solo - sonat (op. 115, 1947); för röst och ph. - Två dikter av A. N. Apukhtin och K. D. Balmont (op. 9, 1910-11), Den fula ankungen (saga av H. K. Andersen, op. 18, 1914; 2:a uppl. för röst och orc., 1914), 5 dikter ( texter av V. I. Goryansky, Z. N. Gippius, B. Verin, K. D. Balmont, N. Ya. Agnivtsev, op. 23, 1915), 5 sånger (utan ord, op. 35, 1920), 5 dikter (texter. A. A. Akhmatova, op. 27, 1916), 5 dikter (text av K. D. Balmont, op. 36, 1921), 6 sånger (text av M. Golodny, A. N. Afinogenov, T. S. Sikorskaya och folkmusik, op. 66, 1935), 3 romanser (text av A. Pushkin, op. 73, 1936), 7 sånger (text av A. A. Prokofiev, A. N. Blagov, M. A. Svetlova, M. A. Mendelson, P. E. Panchenko och folkmusik, op. 79, 1939), 3 barnsånger (text av A. L. Barto, A. L. även L. M. Kvitko, översatt av S. V. Mikhalkov, op. 68, 1936 -39), 7 massvisor (text av V.V. Mayakovsky, A.A. Surkov, M.A. Mendelson, op. 89, 1941-42), Soldier's March (text av V., A. Lugovsky) op. 121, 1950), 2 duetter (arr. ryska folksånger, op. 106, 1945) etc.; körer - Två dikter (för damkör och orkester, text av K. D. Balmont, op. 7, 1909-10); arr. adv. låtar - 2 ryska anteckningsböcker. adv. sånger (op. 104, 1944), 5 kazakiska. adv. låtar (1927); musik för drama. föreställningar - "Egyptian Nights" (baserad på W. Shakespeare, B. Shaw, A. S. Pushkin, utan op., 1934, Kamerny T-R, Moskva), "Boris Godunov" av Pushkin (op. 70 bis, 1936, post 1957, Central Barnteater, Moskva), "Eugene Onegin" (baserad på romanen i vers av Pushkin, op. 71, 1936, Chamber Theatre, Moskva), Shakespeares "Hamlet" (op. 77, 1937-38, Leningrad dram, t-r) ; musik för filmer - "Lieutenant Kizhe" (1933), "Queen of Spades" (1938), "Alexander Nevsky" (1938), "Lermontov" (1941), "Tonya" (1942), "Kotovsky" (1942) " Partisaner" in the steppes of Ukraine" (1942), "Ivan the Terrible" (1942; för det första avsnittet av State Prospect of the USSR, 1946; skapad till musik från filmen: oratorium, 1961, musikalisk komposition av A. L. Stasevich , text av V. A. Lugovsky; balett - komponerad av M. I. Chulaki, 1975, Bolshoi T-R); bearbetning för FP. - Valssvit av F. Schubert (1920), Valssvit av F. Schubert (4 händer, 1923), Orgelpreludium och fuga av D. Buxtehude (1920). Samlade verk : t. 1-20, M., 1955-67. Litterära skrifter och brev : A. Stanchinsky. Skisser för piano, "Musik", 1913, nr 148; N. Myaskovsky. Sonat nr 1 för piano, ibid., 1915, nr 210; Futuristernas musikinstrument, ibid., 1915, nr 219; (Om "Spelaren"), "Aftonbörsens tidning", 1916, 12 maj; (Mer om operan "The Gambler"), "Evening Time", 1916, 13 maj; (Om sig själv), "The Musical Observer" N.Y., 1918; Paris, vårsäsongen 1925, "De Musica", Tillfälligt av kategorin historia och musikteori, 1925, nr. 1; Samtal med S. Prokofiev, "Musik och revolution", 1927, nr 3; Musiklivet i Paris, "Sovjetiska teatern", 1932, nr 12; Om sex dagar, "Sovjetisk konst", 1933, 20 januari; Om musiken i USA, på samma plats, 1933, 26 november; Från korrespondens från S. Prokofiev och S. Eisenstein, "SM", 1961, nr 4; Brev från S. S. Prokofiev till V. V. Derzhanovsky, i boken: Ur ryska musikers arkiv, M., 1962; Prokofiev S.S. och Alpers V.V. Korrespondens, i samlingen: Musical Heritage, vol. 1, M., 1962; Det sista brevet från S. Prokofiev (fotokopia), "SM", 1963, nr 3; "Min musik kommer för alltid att förbli rysk", ibid., 1970, nr 4; Ur brevarvet, publikation utarbetad av I. Martynov, ibid., 1971, nr 4; Autobiography, M., 1973; Korrespondens (med N. Ya. Myaskovsky), M., 1977. Litteratur : N. Sem, XLV Samtida musikafton (utvalda pjäser), ”Ordet”, 1908, 20 december; Karatygin V., Unga ryska tonsättare, "Apollo", 1910, nr 12; hans, St Petersburg sommarsäsong, ibid., 1913, nr 7; hans, Musik, på samma ställe, 1914, nr 5; hans, 2:a abonnemangskonsert av Ziloti, "Musical Contemporary", 1915, nr. 5; hans, Concertos of Prokofiev, "Our Century", 1918, 6 april, i boken: Karatygin V.G., Izbr. artiklar, M.-L., 1965; hans, Dostojevskij och musik, "ZHI", 1921, 15, 29, 13 december, i boken: Karatygin V.G., Izbr. artiklar, M.-L., 1965; hans, New Music, "ZHI", 1924, nr 23, samma, i boken: S. S. Prokofiev. Material. Dokumentation. Memoirs, M., 1961; A, N., Musikalisk afton på Apollo, Apollo, 1910, nr 7; O. V., Konserter i S:t Petersburg. konservativ lag, "RMG", 1914, 1-8 juni; Igor Glebov (B.V. Asafiev), Petrograd Astronomical Clock, Art. 1, 3, 4, 9, 12, "Musik", 1914, nr 203; 1915, nr 208-209, 226; 1916, nr 249; hans första prenumerationskonsert av Ziloti, "Chronicle of the magazine Musical Contemporary", 1916, nr 3; hans, Andra icke-prenumerationskonsert av A. Ziloti, ibid., 1916, nr 5-6; hans, Vägen till glädje. (På den nya utvecklingsvägen som växer fram i rysk musik), "Nytt liv", 1917, 26 juli; hans, Anticipation of the Future, "ZHI", 1918, 31 oktober; hans, Om samtida tonsättare, på samma ställe, 1919, 15 januari; hans, ryska symfoniska musik under 10 år, "Music and Revolution", 1927, nr 11; av honom, Sergej Prokofiev, L., 1927; hans, Under åtta år, "Modern Music", 1927, nr 19; hans, artisten Prokofiev, "ZHI", 1927, nr 7; av honom, Till 25-årsdagen av Sergei Prokofjevs musikaliska aktivitet, i boken: Kärlek till tre apelsiner. Opera av S. Prokofiev, (L.), 1934; hans, Tre namn. Genom det förflutna till framtiden, "SM", 1943, nr 1, samma, Izbr. verk, vol 5, M., 1957; av honom, Sergej Prokofev, "Tempo", Praha, 1947, rocnik 19, nr 4; densamma, "CM", 1958, nr 3; (Myaskovsky N.), Sergei Prokofiev, op. 10. Första konserten för piano och orkester, "Music", 1914, nr 194, densamma, i boken: N. Ya Myaskovsky, Artiklar, brev, memoarer, vol. 2, M., 1960; Malkov N., Konserter i Petrograd, "RMG", 1915, nr 5; honom, Prokofiev i Leningrad, "ZhI", 1927, nr 8; hans (under pseudonymen Islamey), A.V. Lunacharsky om verk av Beethoven och Prokofiev, ibid., 1926, nr 22, samma, i boken: Lunacharsky A.V., In the world of music, M., 1971; Zhilyaev N., Sergei Prokofiev, "Till nya stränder", 1923, nr 1; av honom, Karakteristiska drag av Prokofjevs kreativitet, i boken: History of Russian music in research and materials, vol. 1, M., 1924; Saradzhev K., Sergei Prokofiev. Konsert för violin, op. 19, "Till nya stränder", 1923, nr 3; Feinberg S., Om S. Prokofievs pianostil, ibid., 1923, nr 1; Belyaev V., Prokofievs återkomst, "ZhI", 1927, nr 6; honom, Sergej Prokofiev. (Skapande och livsväg), M., 1932; Bogdanov-Berezovsky V., Sergei Prokofiev, "Arbetare och teater", 1927, nr 18; Derzhanovsky Vl., Ouvertyr op. 42 S. Prokofiev, ”Modern Music”, 1927, nr 19; Kuznetsov K., Den levande bilden av Prokofiev, ibid., 1927, nr 20; Neuhaus G., Sergei Prokofiev, "Musik", 1937, nr 29; hans, Den första stora framgången, "SM", 1940, nr 10; Nestyev I., Material för den kreativa biografin om Prokofiev, "SM", 1941, nr 4; hans, Om S. Prokofievs stil, i samlingen: Sov. musik, vol. 4, M., 1946; hans, Sergej Prokofjevs väg, "SM", 1953, nr 5, samma sak i boken: Soviet Symphonic Music, M., 1955; av honom, Prokofiev, M., 1957, reviderad. och ytterligare ed. under titeln: The Life of Sergei Prokofiev, M., 1973; Shlifshtein S., S. Prokofievs arbete under krigsdagarna, "Informationssamling", 1944, nr 5-6; honom, S.S. Prokofiev. Anteckningar om kreativitet under det stora fosterländska kriget, i: Sov. musik, vol. 5, M., 1946; hans, Om Prokofiev - kompositör och man, "MJ", 1961, nr 7; av honom (komp.), S. S. Prokofiev, Notografisk uppslagsbok, M., 1962; hans egen (sammanställd), Sergei Prokofiev. (Albom, M., 1965); hans, Ett ord om Prokofiev. Till 75-årsdagen av hans födelse, "MZ", 1966, nr 8; Shostakovich D., sovjetisk musik under krigets dagar, "Litteratur och konst", 1944, 1 april; hans egen, Opera "Krig och fred" i konsertföreställning, "Sovjetkonst", 1945, 12 oktober; hans, Symfoni om ljus och livsglädje, "SM", 1957, Mb; KabalevskyDm., Underbar vänskap, ibid., 1961, nr 4; Khokhlovkina A., "Krig och fred" av Sergej Prokofiev, ibid., 1946, nr 8-9; Till 60-årsdagen av S.S. Prokofiev, ibid., 1951, nr 4; Till minne av S. Prokofiev. (Nekrolog), ibid., 1953, nr 4; S. S. Prokofiev. Material. Dokumentation. Memoarer, (sammanställda, redigerade, anteckningar och inledande artikel av S. I. Shlifshtein), M., 1956, 1961; Jourdan-Morange E., Parisian season, (översatt från franska av G. Edelman), "SM", 1957, nr 6; Berkov V., On the harmony of S. Prokofiev, ibid., 1958, nr 8; Martynov I.I., Sergei Prokofiev, M., 1958; honom, S. Prokofiev. Liv och kreativitet, M., 1974; Sabinina M., Sergei Prokofiev, (M., 1958); hennes, "Semyon Kotko" och problemen med Prokofievs operadramaturgi, M., 1963; hennes, "Löjtnant nedanför" i baletten, "SM", 1963, nr 7; Yarustovsky B., Opera och modernitet. Anteckningar om stilen hos vissa sovjetiska operor, ibid., 1958, nr 4; honom. Prokofiev och teatern. Notes on dramaturgy, ibid., 1961, nr 4; Boganova T., Om ryska traditioner i Prokofievs verk, ibid., 1959, nr 8; hennes, Om modala principer och variationer i melodins struktur i Prokofievs sena symfonier, i boken: Proceedings of the Department of Music Theory, Moskva. stat vinterträdgård, vol. 1, M., 1960; hennes, national-ryska traditioner i musiken av S. S. Prokofiev, M., 1961; Gakkel L., Om Prokofievs pianistiska konst, "SM", 1959, nr 8; hans, Piano creativity of S. S. Prokofiev, M., 1960; av honom, Om Prokofievs pianostil från perioden 1914-1918, i samlingen: Music and Modernity, vol. 2, M., 1963; Blok V., On the evolution of style and some features of S. Prokofiev’s creative method, i samlingen: Music and Modernity, (nummer 1), M., 1962; honom, Variationens egenheter i Prokofievs instrumentala verk, ibid., vol. 3, M., 1965; hans, Statement of Heroics, "SM", 1966, nr 11; hans, Huvuddragen i Prokofievs icke-imiterade polyfoni, i samlingen: Problems of Music Science, vol. 1, M., 1972; hans, Prokofievs celloverk. Research, M., 1973; Levashev Yu., Musik av baletten "Askungen" av S. Prokofiev, i samlingen: Questions of modern music, Leningrad, 1963; Zaporozhets N.V., Några kompositionsdrag av S. Prokofievs verk, i samlingen: Questions of Musicology, vol. 3, M., 1960; Slonimsky Yu., Möten med Prokofiev, "MJ", 1960, nr 5; Rayer Yu., Notes of a balett conductor, "SM", 1960, nr 10; Chepelevsky S., I schackvärlden, "Chess in the USSR", 1960, nr 12; Delson V. Yu., Piano Concertos of S. Prokofiev, M., 1961; honom, en modig, ljus konstnär..., "SM", 1964, nr 8; honom, Originalpianist, ibid., 1967, nr 4; honom. Pianokreativitet och pianism av Prokofiev, M., 1973; Ermolaev A., About Prokofiev, "SM", 1961, nr 4; Karaev K., Tankar om Prokofiev, ibid.; Lynching., Remembering meetings with S. Prokofiev, ibid.; Kholopova V., Kholopov Y., Prokofievs pianosonater, M., 1961; Yaunzem I., About Prokofiev, "SM", 1961, nr 4; hennes, Livet i sång, ibid., 1967, nr 12; Mendelson M., In Alma-Ata, ibid., 1962, nr 8; hennes. Ur memoarer, på samma ställe, 1963, nr 3; Ordzhonikidze G. Sh., Prokofievs pianosonater, M., 1962; hans, Shakespeare och Prokofiev, i samlingen: Shakespeare and Music, Leningrad, 1964; Sergej Prokofiev. 1953-1963. Artiklar och material. (Sammanställd och redigerad av I.V. Nestiev och G.Ya. Edelman), M., 1962, kompletterad. och reviderad, M., 1965; Skorik M., Prokofiev och Schoenberg, "SM", 1962, nr 1; honom, Egenskaper i sättet för Prokofievs musik, K. 1967; hans, S. Prokofievs Frequent System, med ett förord. D. Kabalevsky, K., 1969; Slonimsky S., Features of S. Prokofiev’s symphonism, i samlingen: Music and Modernity, (nummer 1), M., 1962; hans egen, Prokofjevs symfoni. Forskningserfarenhet, M.-L., 1964; Funktioner i Prokofievs stil. lö. teoretiska artiklar, (sammanställda, red. L. Berger), M., 1962; Katonova S., Prokofjevs baletter, M., 1962; Aranovsky M., Om några stilistiska drag av S. Prokofievs lyriska melodi, i: Issues in the theory and aesthetics of music, vol. 2, L., 1963; honom, Stilistiska drag av instrumental melodi av tidiga Prokofiev, ibid., vol. 4, M.-L., 1965; his, Mir Prokofiev, "MZ", 1967, nr 21; hans, The Path to Heyday, "SM", 1968, nr 4; honom, Melodika S. Prokofiev. Forskningsuppsatser, L., 1969; Danko L., Prokofjevs operor, Leningrad, 1963; Zemtsovsky I., Om två typer av tolkning av den inledande tonen i S. Prokofievs verk, i samlingen: Frågor om musikens teori och estetik, vol. 2, M., 1963; Rozhdestvensky G., Den okända världen, i: Music and Modernity, vol. 2, M., 1963; Rogozhina N., Vokala och symfoniska verk av S. Prokofiev, M.-L., 1964; hennes, Romanser och sånger av S. S. Prokofiev, M., 1971; Stepanov O.B., Hantverk värt beundran, "SM", 1964, nr 11; honom, Om några drag av den musikaliska dramaturgin i S. Prokofievs opera "Kärleken till tre apelsiner", i boken: Proceedings of the State. Institutet uppkallat efter Gnessins, vol. 8, M., 1968; honom. Syntes av innovation och tradition. ("Kärlek till tre apelsiner"), "SM", 1970, nr 6; hans, Mask Theatre i S. Prokofievs opera "The Love for Three Oranges", M., 1972; Birman S., Möte med Prokofiev, "SM", 1965, nr 9; Vasilenko S., Baletter of Prokofiev, M.-L., 1965; Gliere R., Brev till M.R. Rehnquist (om S.S. Prokofiev), "SM", 1965, nr 10-11; Kremlev Yu., Estetiska vyer av S. S. Prokofiev. Baserat på uttalanden, M.-L., 1966; Leman A., Hans musik lever, "SM", 1966, nr 4; Ter-Martirosyan T., Några drag av Prokofievs harmoni, L., 1966; Tyulin Yu., På väg mot erkännande. Pages of Memoirs, "MZ", 1966, nr 8; Yakubov M., 1900-talets största melodist, "SM", 1966, nr 4; hans, polyfoniska drag i Prokofjevs melodiska musik. (Imitation former of hidden polyphony), i samlingen: From Lully to the present day, M., 1967; Morozov S., Prokofiev, M., 1967 (Life of anmärkningsvärda människor); Kholopov Yu., Moderna drag av Prokofievs harmoni, M., 1967; hans, diatoniska lägen och tertianska kromatiska system i Prokofievs musik, i samlingen: From Lully to the present day, M., 1967; Kholopova V., Om Prokofievs rytm, ibid.; her, Symmetri av intervaller i Prokofievs musik, "SM", 1972, nr 4; Tarakanov M. , Stil av Prokofjevs symfonier. Research, M., 1968; Konchalovskaya N., Sanna berättelser. Semester på vardagar, "Moskva", 1969, nr 11; Kiseleva E.I., Polyharmony and polytonality in the works of S. Prokofiev, in: Issues in Music Theory, vol. 2, M., 1970; Sokhor A., ​​Förkroppsligar Lenins tema, "SM", 1970, nr 4; Raisov Yu., Än en gång om polytonalitet, "SM", 1971, nr 4; S. Prokofiev. Artiklar och studier, komp. V. Blok, M., 1972; Evseeva T., Sergei Prokofiev - pianist, "MZ", 1972, nr 8; Kunitsyna I. S., Rollen av imitativ polyfoni i dramaturgin av den musikaliska formen av S. S. Prokofievs verk, i boken: Scientific and Methodological Notes of the Ural Conservatory, vol. 7, Sverdlovsk, 1972; Bruyr J., Serge Prokofieif, i sin bok: L "Ecran des musiciens. (Seconde série), P., 1933; Serge Prokofieff. (Mit Beiträgen von: Serge Prokofieff, Gerald Abraham, Franck Merrick u. a.), (Bonn, 1953) ); Kinsey L., Serge Prokofieffs pianosonater. En kritisk studie av elementen i deras stil, (N. Y., 1959); Zielinski T. A., Koncerty Prokofiewa, (Kr., 1959); Streller F., Sergej Prokofjew, Lpz ... Zeszyt naukowy, nr 1, 1962, About twоrczоуsci Sergiusza Prokofiewa Studia i materialy, (Kr.), 1962, Ashley P. R., Prokofjews pianomusik, N. Y., 1963; Poulenc F., La musique de piano de Prokofieff, i boken: Musique russe, v. 2, P., 1953 (rysk översättning - Poulenc F., Hans pianomusik, "SM", 1968, nr 4); Broskhaus H. A., Sergei Prokofjew. Mit einer Auswahl von Aufsätzen des Komponisten, Lpz., (1964); Hofmann R. M., Serge Prokofiew. L "homme et son oeuvre, (P., 1964), 1966; Vajda I., Sergej Prokofiev, Brat., 1964; Rayment M., Prokofjew, L., 1965; Khlebarov I., Sergei Prokofiev, Sofia, 1965; McAllister R., Naturligt och övernaturligt i "The firey angel", "The musical times", 1970, v. 111, nr 1530. I. V. Nestyev.

Musikalisk uppslagsverk. - M.: Soviet Encyclopedia, sovjetisk kompositör. Ed. Yu. V. Keldysh. 1973-1982 .

Sergej Prokofiev

Bland de många minnen om en av de stora, unikt originella musikerna i vår tid - Sergei Sergeevich Prokofiev - är ett som han själv berättade i början av sin korta självbiografi särskilt intressant: "Inträdesprovet var ganska imponerande. En man med skägg undersöktes framför mig, som tog med sig som allt sitt bagageromantik utan ackompanjemang. Jag gick in, böjd under tyngden av två pärmar, som innehöll fyra operor, två sonater, en symfoni och en hel del pianostycken. "Jag gillar det här! " sa Rimsky-Korsakov, som genomförde examen."

Prokofiev var 13 år då! Och om man i den här åldern kan "böja sig under vikten" av sådant kreativt bagage, förtjänar kompositörens biografi uppenbarligen uppmärksamhet från de allra första åren av hans liv. I ryska kompositörers annaler hittar vi inga fall av "vidunderbarn". Från och med Glinka, och från före Glinka-tiden, visade sig viljan att skriva sig i en mer mogen, ungdomlig ålder, och inte i barndomen, och till en början begränsades den till pianostycken och romanser. Prokofiev lade operaklavier och symfonipartituren på undersökningsbordet; han uppträdde självständigt och självsäkert; han bedömde musik beslutsamt, som man säger, "med fullständig kunskap om ämnet", och han hade mer än tillräckligt med självkänsla.

Biografin om denna märkliga man började i den provinsiella vildmarken, i Sontsovka - inte långt från Yekaterinoslav, där hans far var förvaltare av en egendom. Här, under ledning av sin mor, en bra pianist, började musiklektioner när den framtida författaren till "Kärleken till tre apelsiner" ännu inte var fem år gammal. Prokofiev började uppfinna och komponera musik ungefär samtidigt, och han övergav aldrig denna verksamhet. Det var ett organiskt behov varje dag i hans liv. Definitionen av "kompositör" var lika naturlig för Prokofiev som "man".

Två operor - "Jätten" och "På de öde öarna", komponerade och till och med inspelade av Prokofiev vid 9-10 års ålder, kan naturligtvis inte tas med i beräkningen när man överväger hans kreativa väg, de är barnsligt naiva. Men de kan tjäna som bevis på talang, uthållighet och en indikator på önskan om någon form av skala.

Den elvaårige kompositören introducerades till S.I. Taneyev. En stor musiker och sträng lärare erkände pojkens otvivelaktiga talang och rekommenderade honom att studera musik på allvar. Nästa kapitel i Prokofievs biografi är redan helt ovanligt: ​​under sommarmånaderna 1902 och 1903 studerade Taneyevs student R. M. Glier komposition med Seryozha Prokofiev. Resultatet av den första sommaren var en symfoni i fyra satser, och resultatet av den andra sommaren var operan "En fest i pestens tid". Det var, som Prokofiev påminde om många år senare, "en riktig opera, med sångpartier, ett orkesterpartitur och en ouvertyr i sonatform."

Vid 13 års ålder gick Prokofiev, som bekant, in på den professionella musikstudiens väg inom S:t Petersburgs konservatoriums väggar.

Genom att studera med A.K. Lyadov, N.A. Rimsky-Korsakov i komposition och med A.A. Winkler och A. Esipova i piano var S. Prokofiev inte begränsad till att utföra klassuppgifter. Han skrev mycket och samordnade inte alltid hur och vad han skulle skriva med akademiska regler. Redan då var den kreativa självviljan så typisk för Prokofiev uppenbar, källan till många konflikter med "erkända auktoriteter", källan till en rent individuell, Prokofjevs skrivstil.

I december 1908 uppträdde sjuttonårige Prokofiev för första gången i en offentlig konsert. Bland andra pianostycken spelade han "Obsession", där man kan höra typiskt Prokofjevs akut dissonanta harmoni, spänstiga rytm och medvetet torra, vågade motorism. Kritiken reagerade omedelbart: "Den unge författaren, som ännu inte har avslutat sin konstnärliga utbildning, tillhörande modernisternas extrema rörelse, går mycket längre i sitt mod än moderna fransmän." Etiketten har fastnat: "extrem modernist." Låt oss komma ihåg att i slutet av århundradets första decennium blomstrade modernismen magnifikt och gav fler och fler nya skott. Därför hade Prokofiev ganska många "definitioner" som ofta lät som kränkande smeknamn. Prokofiev hittade inte ett gemensamt språk med konservatoriets "chefer" och lärare. Han blev närmaste vän endast med N.N. Tcherepnin, som undervisade i dirigering. Under samma år inledde Prokofiev en vänskap med N. Ya Myaskovsky, en respektabel musiker, tio år äldre än honom.

Unga Prokofiev blev en frekvent gäst på "Evenings of Contemporary Music", där alla möjliga nya föremål framfördes. Prokofiev var den första artisten i Ryssland av pianostycken av Arnold Schoenberg, som ännu inte skapat sitt eget dodekafoniska system, men skrev ganska "skarpt".

Att döma av dedikationen som skrevs av Prokofjev på partituren till den symfoniska målningen "Drömmar": "Till författaren som började med "Drömmar" (dvs. Skrjabin), undgick Prokofiev inte den passion som grep de allra flesta unga musiker. Men för Prokofiev denna passion bara halkade, utan att lämna några märkbara spår. Genom sin karaktär liknade Prokofiev - en tydlig, beslutsam, affärsmässig, atletisk person, minst av allt en kompositör som stod nära Skrjabins sofistikerade, drömska eller - i annan mening - extas. .

Redan i "marschen" för piano, en del av cykeln "Tio stycken" (1914), kan man höra det motståndskraftiga, viljestarka, catchy sättet som är typiskt för Prokofjev under de efterföljande decennierna, som ligger nära Majakovskijs skrivstil under dessa år. .

Två på varandra följande pianokonserter (1912, 1913) är bevis på kompositörens kreativa mognad. De är olika: i den första gör sig viljan att chocka till varje pris påtaglig, att bedöva publiken; Den andra konserten är mycket mer poetisk. Prokofjev skrev själv om sina konserter: "Förbråelser för strävan efter yttre prakt och en viss "Fotbollskänslan" av den första konserten ledde till ett sökande efter ett större djup av innehållet i den andra."

Allmänheten och den överväldigande majoriteten av kritikerna hälsade Prokofjevs framträdande på konsertscenen i St. Petersburg med vänliga buningar. I tidningen Petersburg skrev de att "Prokofjev sätter sig vid pianot och börjar antingen torka av tangenterna eller prova vilka som låter högre eller lägre."

År 1914 "gjorde Prokofiev bort" med konservatoriet i både specialiteter - komposition och pianism.

Som belöning erbjöd hans föräldrar honom en utlandsresa. Han valde London. Sergei Diaghilevs opera- och baletttrupp turnerade där, vars repertoar var av stort intresse för Prokofiev. I London hänfördes han av Ravels Daphnis och Chloe och två av Stravinskys baletter, Eldfågeln och Petrusjka.

I samtal med Diaghilev framkom de första, fortfarande oklara, konturerna av en balett på ett ryskt förhistoriskt tema. Initiativet tillhörde Diaghilev, och vårens rite fick honom utan tvekan till dessa tankar.

När han återvände till Ryssland, börjar Prokofiev att arbeta. Som ofta har hänt i balettteaterns historia leder en svag dramatisk grund, även med utmärkt musik, inte till framgång. Detta var fallet med Prokofjevs koncept av baletten "Ala och Lolliy", librettot för vilken komponerades av poeten Sergei Gorodetsky. Musiken är tydligt influerad av Stravinsky. Detta är förståeligt, med tanke på att atmosfären av skytiskt "barbari" i "Aly och Lollia" är densamma som i "The Rite of Spring" och till och med några av handlingarna i handlingen är väldigt lika. Och dessutom kunde musik med en så gigantisk imponerande kraft som "The Rite of Spring" inte undgå att fånga den unge Prokofiev. Något senare - mellan 1915 och 1920 - dök baletten "Sagan om en gycklare som lurade sju gycklare". Den här gången skriver Prokofiev själv librettot och lånar handlingen med ryska sagor från A. Afanasyevs samling. Kompositören gjorde succé med busig musik av rysk karaktär. Baletten visade sig vara livlig, fylld av kvicka avsnitt och påminde om "buffoon games". I den "hade Prokofiev mycket roligt" med ironi, grotesk, sarkasm - så typiskt för honom.

Många av den unge Prokofjevs samtida och till och med forskare av hans verk förbise den "lyriska strömningen" i hans musik och bröt igenom de skarpt satiriska, groteska, sarkastiska bilderna, genom de medvetet grova, tunga rytmerna. Och det finns många av dem, dessa lyriska, blyga intonationer i pianocyklerna "Fleetness" och "Sarcasm", i det sekundära temat i första delen av den andra sonaten, i romanser baserade på dikter av Balmont, Apukhtin, Akhmatova.

Härifrån kommer trådarna att sträcka sig till "Tales of an Old Grandmother", "Romeo and Juliet", till Natasha Rostovas musik, till "Cinderella", till Pushkins valser. Låt oss notera att dessa verk domineras av starka men blyga känslor, "rädda" för deras yttre uttryck. Prokofiev är ironisk över överdrifterna i den romantiska "världen av upphetsade känslor." För sådan antiromantisk skepsis - bland många andra verk - är romansen "Trollkarlen" baserad på Agnivtsevs dikter mycket vägledande.

Prokofjevs antiromantiska tendenser återspeglas också i hans sympati för prosa och prosaiska texter. Här kan vi prata om Mussorgskijs influenser, särskilt eftersom Prokofjev ofta föredrar den typ av melodi som ligger nära taltonationer. I detta avseende är hans "Ugly Duckling" för röst och piano, som knappast kan kallas en romans, mycket vägledande. Andersens kloka och snälla saga, ingjutande tro på godhet och ljus, lockade Prokofjev med sin humanism.

En av de första föreställningarna av "Den fula ankungen" hördes av A. M. Gorky i en konsert där han läste det första kapitlet i hans "Barndom". Beundrad av "Ankungen" uttryckte Gorkij en gissning: "...men han skrev det här om sig själv, om sig själv!"

I januari 1916 var Prokofjev tvungen att gå igenom en prövning som fick honom att minnas kvällen då Stravinskys Premiären av Vårens rite. Detta var den första föreställningen av Scythian Suite, som han själv dirigerade. Allmänheten uttryckte högljutt sin indignation över det "vilda verket". En recensent för "Theater Sheet" skrev: "Det är helt enkelt otroligt att ett sådant stycke, utan någon mening, skulle kunna framföras på en seriös konsert... Det här är någon sorts fräcka, fräcka ljud som inte uttrycker något annat än ändlöst skryt. "

Prokofiev motstår stoiskt den här typen av kritisk bedömning och den här typen av reaktioner från publiken. Efter att ha deltagit i offentliga uppträdanden av D. Burliuk, V. Kamensky, V. Mayakovsky, vänjer han sig vid tanken att innovativa trender inom någon konst inte kan annat än orsaka våldsamma reaktioner från allmänheten, som har sin egen etablerade smak och överväger varje kränkning av dem. ett angrepp på personlighet och värdighet, anständighet.

Under de förrevolutionära åren var Prokofjev upptagen med att arbeta med operan "The Gambler" baserad på Dostojevskijs berättelse. Här kommer han ännu närmare Mussorgskij. Av många anledningar kommer Prokofiev att skjuta upp The Gambler i nästan tio år; premiären kommer att äga rum i Bryssel först 1929.

Medan han arbetade på The Player, kanske i motsats till innovationerna generöst spridda i partituret, skapade Prokofiev en symfoni byggd enligt den strikta kanonen av klassiska exempel på denna genre. Så uppstår ett av den unge Prokofjevs mest charmiga verk, hans klassiska symfoni. Glad, ljus, utan en enda "rynka på pannan", med bara dess tema berör en annan känslomässig sfär, drömmande texter, detta är melodin av fioler i ett extremt högt register, som låter i början av andra satsen. Den första föreställningen av den klassiska symfonin, tillägnad B.V. Asafiev, ägde rum under ledning av författaren efter revolutionen, 1918. A.V. Lunacharsky var på plats vid konserten.

I ett samtal med honom uttryckte Prokofiev en önskan att åka på ett långt konserttåg utomlands. Lunacharsky protesterade inte. Så 1918 åkte Prokofiev utomlands.

Först gav han konserter i Japan och därifrån begav han sig till USA. I sina memoarer skriver Prokofjev: "Från Yokahama, med ett underbart stopp i Honolulu, flyttade jag till San Francisco. Där släppte de mig inte omedelbart i land, eftersom de visste att Ryssland styrdes av "maximalister" (som bolsjevikerna kallades i Amerika vid den tiden) - människorna är inte helt förståeliga och förmodligen farliga. Efter att ha hållits kvar på ön i tre dagar och förhörts i detalj ("Har du suttit i fängelse?" - "Du har varit." - "Det är illa" . Var?" - "Du, på ön." - "Åh, du vill skämta!"), jag fick komma in i USA.

Tre och ett halvt år i USA lade till operan "The Love for Three Oranges" och flera kammarverk till listan över Prokofievs verk.

När han lämnade Ryssland tog Prokofiev med sig teatertidningen "Kärlek till tre apelsiner", som publicerade manuset till sagan med samma namn av den italienske dramatikern Carlo Gozzi, reviderad av V. Meyerhold. Baserat på det skrev Prokofiev operans libretto och musik.

"Kärleken till tre apelsiner" kan kallas en ironisk saga, där verklighet, fantasi och teatraliska konventioner flätas samman till en fascinerande föreställning, utrustad med en ljus scenform, lik den italienska "commedia dell'arte". Under den tid - nästan ett halvt sekel - som skiljer oss från premiären av "Kärleken till tre apelsiner" har denna opera kommit in på repertoaren på många teatrar.

För första gången, efter många prövningar, sattes den upp i Chicago i slutet av 1921. Två veckor före premiären av Oranges ägde den första föreställningen av den tredje pianokonserten rum där, i Chicago. Författaren spelade solorollen. I den här konserten härskar den "ryska andan" i språket, i bilderna, ibland själfulla som en pipa (inledning), ibland olycksbådande sagolik på Koscheevs sätt, ibland svepande, som den generösa kraften hos rysk ungdom. Av de fem pianokonserterna (den fjärde och femte skrevs i början av 30-talet) är det den tredje som åtnjuter störst popularitet till denna dag, kanske också för att rösten från pianots "allmakt" hörs i den, vilket får en att minnas patos av Tjajkovskijs och Rachmaninovs konserter. Detta drag av konserten uttrycktes bildligt och levande av poeten Konstantin Balmont: "Och den oövervinnelige Skythian slår solens tamburin."

Efter att ha flyttat till Europa, till Paris, i början av 1920, förnyade Prokofiev sina band med Diaghilev, men inte för länge. Mötet med Stravinsky förvandlades till ett gräl, och detta ledde till förändringar i förhållandet till Diaghilev. En mycket erfaren impresario, en man med ett utmärkt "luktsinne", kände Diaghilev att Prokofiev inte kunde räkna med framgång med den del av allmänheten som vissa respektfullt kallar "elit", andra mer nyktert kallar snobbar. Kort sagt, hon, "eliten", gillade inte violinkonserten, skriven för länge sedan men framfördes först i Paris 1923, som enligt hennes mening inte var tillräckligt "peppig". Och sedan Prokofiev, som ville hämnas, "peppade" den andra symfonin så mycket att den backade till och med den "vänstra sidan" av salen. Prokofiev var inte i den "parisiska tonen", inte för. Detta betyder, enligt Diaghilevs logik, att det inte finns något behov av att känna honom.

I den diplomatiska världen, i inflytelserika "salonger", ökade intresset för "bolsjevikernas land" dag för dag. Detta undgick inte Diaghilevs uppmärksamhet. Efter två år av kyla vände Sergei Diaghilev sig till Prokofiev på det gamla, vänliga sättet. Det handlade om en balett från... sovjetlivet. I. Ehrenburg skulle vara författaren till librettot. Det slutgiltiga valet föll på G. Yakulov. Titeln på baletten "Stålsprång" var spännande. Iscensatt av koreografen Leonid Myasin, "Leap of Steel" varken i Paris eller i London, där den visades under turnén för Diaghilevs trupp, var inte framgångsrik och kunde strängt taget inte ha fått det. Baletten, som saknade tvärgående action, bestod av separata episoder som inte var relaterade till varandra: tåget med bagmännen, kommissionärerna, kola- och cigarettmakarna, Oratorn. I den andra (sista) scenen av baletten på scenen demonstrerade baletttruppen rörelsen av maskiner, verktygsmaskiner och gnället från ånghammare.

1927 gjorde Sergei Prokofiev en stor konsertturné i Sovjetunionen. Han blev förtrollad av Leningrad-produktionen av Three Oranges och mottagandet han fick som kompositör och pianist i Moskva, Leningrad, Kharkov, Kiev och Odessa. Det var som om han hade återandat luften i sitt hemland.

Av verken från det sena 20-talet är de mest intressanta den tredje symfonin (vi återkommer till den senare) och baletten "Förlorad son", iscensatt i maj 1929. Här visade Prokofiev återigen kraften i sin talang. Musiken till "The Prodigal Son" fängslar med sin kloka enkelhet, värme och ädla tema. De kontrasterande scenerna: festens bacchanalia och morgonen efter en orolig natt, och sedan scenen då balettliknelsens hjälte återvände till sin fars tak, full av sorg och ödmjukhet, gör ett starkt intryck. Baletten "Den förlorade sonen" är den närmaste inställningen till de tre baletterna som Prokofiev skrev efter att ha återvänt till sitt hemland, de baletter som ökade hans världsberömmelse.

Prokofiev hade länge drömt om att återvända hem. I memoarerna från en av sina franska vänner citerar Sergei Sergeevich: "Luften i ett främmande land väcker inte inspiration i mig, eftersom jag är rysk och det finns inget mer skadligt för en person än att leva i exil, att vara i en andlig klimat som inte motsvarar hans ras. Jag måste "Jag måste återigen kasta mig in i atmosfären i mitt hemland, jag måste se riktig vinter och vår igen, jag måste höra ryskt tal, prata med människor nära mig. Och detta kommer att ge mig vad är det som saknas här, för deras sånger är mina sånger."

1933 återvände Sergei Prokofiev till sitt hemland. Men hemlandet har förändrats. Under de sexton postrevolutionära åren har en ny publik vuxit upp med sina egna övertygelser, krav och smaker. Detta var inte publiken som Prokofiev mindes från sin ungdom, och inte den som han träffade utomlands. Den konstnärliga och estetiska kulturen har vuxit enormt, hårt bunden till den revolutionära världsbilden, som gör det möjligt att fritt, sanningsenligt uppfatta och tolka livets fenomen på samma sätt, förstå vart historien rör sig. Prokofiev försöker sig på nya villkor för honom och accepterar ett erbjudande om att skriva musik till filmen "Löjtnant Kizhe". Det var här Prokofevs inneboende musikaliska kvickhet gjorde sig gällande! Eran av Pavlovs kasernövning, flöjternas muntra vissling ackompanjerat av trumslag, kurirerna som galopperade på tvärbommar med ögonen svällande av iver, var en era då söta vaktdamer och kockar sjöng hundra gånger om dagen: "Den blå duvan stönar, han stönar dag och natt ... "Frihet för musik! Dessutom är musiken ironisk. Prokofiev komponerade exakt den typ av musik som förväntades av honom: skarp, extremt exakt, omedelbart smälter samman med handlingen, med personen, med landskapet. Och "Kizhe's Wedding", och "Troika", och den fruktansvärda trumrullen som den "kriminella Kizhe" leddes till Sibirien - allt detta lät extremt uttrycksfullt tack vare grotesken som förenar det kusliga och det roliga.

Så började ett nytt, viktigaste skede i Prokofievs kreativa biografi. Samma år, 1933, skrev han musiken till produktionen av "Egyptian Nights" på Moskvas kammarteater och bevisade återigen att även i denna genre, som ger kompositören till synes de mest blygsamma möjligheter, är det möjligt att skapa verk av hög förtjänst.

Prokofiev vänder sig upprepade gånger till genren filmmusik och musik i dramateatern. Hans musik till två filmer av Sergei Eisenstein: "Alexander Nevsky" och "Ivan the Terrible" lämnade ett särskilt stort intryck. I musiken till "Alexander Nevsky" (1938) fortsatte Prokofiev linjen av episk symfonism som kommer från Borodin. Sådana episoder som "Rus under the Mongol Yoke", "Battle of the Ice" och refrängen "Arise, Russian People" är fängslande med sin realistiska kraft och strikta monumentalitet. Det är inte illustrationen till filmramen, utan den symfoniska generaliseringen av temat, konkretiserat på duken, som upptar tonsättaren. Trots det faktum att musik är tätt kopplad till bilden har den ett oberoende, mycket högt värde, vilket framgår av kantaten "Alexander Nevsky" skapad på grundval av orkester, kör och solist.

Musiken till filmen "Ivan the Terrible" (1942) skrevs på samma sätt. Efter Prokofievs död kombinerade dirigenten A. Stasevich de mest betydelsefulla episoderna av musik i oratoriet "Ivan the Terrible" - ett verk med enorm, fantastisk kraft.

Andra hälften av 30-talet präglades av kompositionen av ett av Prokofievs bästa verk - baletten Romeo och Julia. Iscensatt i början av 1940 av L. Lavrovsky på scenen av Leningrads opera- och balettteater. S. M. Kirov, spelade den en stor roll i historien om världens koreografiska kultur, och var den första föreställningen som fullt ut förkroppsligade Shakespeares tragedi genom musik, dans och pantomime. G. Ulanova - Juliet, K. Sergeev - Romeo, R. Gerbek - Tybalt, A. Lopukhov - Mercutio är med rätta bland de mest framstående artisterna av Shakespeare-roller. Med sin balett höjde Prokofiev balettmusikens nivå till en nivå som den inte nått sedan Tjajkovskij, Glazunov och Stravinskij, vilket i sin tur ställde nya utmaningar för varje kompositör som skriver balettmusik. De symfoniska principerna som bestämmer stilen och essensen i Romeo och Julias musik utvecklades vidare i två av Prokofievs baletter - Askungen (1944) och Sagan om stenblomman (1950).

Med "Cinderella" föddes en av de mest poetiska föreställningarna om en styvdotters sorgliga liv, förödmjukad och förlöjligad av den onda styvmodern och hennes döttrar Zlyuka och Krivlyaka. Under de avlägsna åren, när romanser skrevs baserade på dikterna från Balmong, Apukhtin och Akhmatova, fulla av charmen från "Den gamla mormors berättelse", såddes frön som steg i partituren till "Askungen" med musik som utstrålade vågor av mänsklighet och kärlek till livet. I varje avsnitt där Askungen dyker upp eller där hon bara "nämns" är musiken fylld av doftande värme och tillgivenhet. Av allt skrivet av Prokofjev ligger "Askungen" närmast Tjajkovskijs balettdramaturgi, som också mer än en gång tänkt på en balett baserad på denna handling...

Prokofjevs sista balett är "Sagan om stenblomman". Bazhovs "Malachite Box" var fylld med underbar rysk musik, genererad av fantastiska och verkliga bilder av antika berättelser om Ural stenhuggare och den ljusaste av dem, bilden av älskarinnans kopparberg, antingen en vacker kvinna eller en ond malakit ödla som håller hemligheten bakom en stenblomma.

Bredvid baletter intar hans operor en viktig plats i Prokofievs kreativa biografi. Kompositören gick en svår väg i denna genre. Med början i enaktaren "Maddalena", ett blodigt drama som utspelar sig mot bakgrund av det frodiga livet i 1400-talets Venedig, övergår han till sin nästa opera, Dostojevskijs "The Gambler", och från honom till den redan nämnda sagan av Carlo Gozzi, "The Love for Three Oranges", den första operan har vunnit bestående framgångar. Efter den ironiska, lätta och glada musiken i "Apelsiner" kastar sig kompositören plötsligt in i medeltidens mörker i en opera baserad på handlingen i V. Bryusovs berättelse "The Fire Angel", där erotik och inkvisitionens fasor. varvas med frenetiska profetior och kabalistik. Musiken, skriven under inflytande av expressionistisk estetik, vilket var helt ovanligt för Prokofiev, användes senare av honom i den tredje symfonin.

Under många år vände sig Prokofiev inte till operagenren. Och först 1939 blev jag intresserad av V. Kataevs berättelse "Jag är det arbetande folkets son." Utifrån den skrev han operan "Semyon Kotko". Prokofiev talade på ett helt nytt språk i många avsnitt av denna opera, och återställde uppenbarligen i hans minne barndomsintryck av Ukraina, om sångerna som ringde i Sontsovka, om själva atmosfären, mättad med den bördiga ukrainska värmen. Var det här de lyriska intonationerna i duettdialogerna mellan Semyon Kotko och hans älskade Sofia Tkachenko, eller egenskaperna hos Frosya och Mikolka, som njuter av sin rörande naivitet, uppstod? Trots Semyon Kotkos inneboende förtjänster hindrade Prokofjevs förkärlek för prosaism och konversationsstil till en början Prokofjevs första opera på en modern handling från att ta en plats i våra teatrars repertoar. Detta sätt kommer att återspeglas i ännu större utsträckning i den sista operan, "Sagan om en riktig man" (1948), baserad på boken av B. Polevoy.

Ödena för två polärt skilda operor var helt olika: den lyriska komedin "Förlovning i ett kloster" (1940) och det monumentala eposet "Krig och fred" (1941-1952) Den första av dem är en spetsstilisering av en komisk opera från 1700-talet, med typiska karaktärer från den italienska komedieteatern: den grinige far till en ung skönhet, förlovad med en rik köpman, men som älskar en stilig, fattig ung man; med en ful, nyfiken chaperone, som satte sitt mål att gifta sig med den av skönheten avvisade köpmannen; med en parallellt utvecklande intrig av det andra paret älskare och med en final där alla tre par säkert går nerför gången. På tal om stilisering, menade vi inte "imitation", utan bara en trend, en touch av genredragen i operamusiken av Mozart och Rossini, som ger Prokofievs musik en ny charm.

Är det nödvändigt att bevisa hur ovanlig och otroligt svår den kreativa bedriften att skapa en opera baserad på handlingen i den episka romanen "Krig och fred" är? Den första svårigheten är förhållandet mellan det litterära originalets skala och den maximala scentiden som är möjlig i opera. Inte ens den första upplagan skapad av Prokofjev, som varade i två kvällar, kunde inte täcka Tolstojs epos i alla dess detaljer, även om operan omfattar 73 karaktärer (!), utan att räkna gästerna på balen, soldater, bönder och partisaner.

I Prokofievs "Krig och fred" finns scener som lämnar ett intryck som verkligen är oförglömligt: ​​Natasjas första bal; scen i Otradnoye: samtal mellan Natasha och Sonya vid fönstret och prins Andreis tankar om våren; Natashas misslyckade flykt från Akhrosimovas hus; Rostovs besök hos gamle Bolkonsky. En av de mest fantastiska episoderna av operan är scenen för Andrei Bolkonskys delirium och död. Och även om operan har många utmärkta avsnitt i akt III: före slaget vid Borodino, Shevardin Redoubt och den sista, mycket imponerande scenen - Smolenskvägen och de ryska vapenens triumf - lämnas det största intrycket av musiken som berättar om den andliga världen av hjältarna i det personliga dramat: Natasha, Andrey, Pierre Bezukhov, Anatole, etc.

Prokofiev återvände till Krig och fred flera gånger, gjorde justeringar av dramaturgin, lade till några, ändrade eller till och med tog bort andra episoder, uppenbarligen inte nöjd med vad som hade uppnåtts. Med operan "Krig och fred" förde han in i den ryska klassiska operans historia ett storslaget verk, rikt på patriotiska idéer.

Prokofiev skrev "Krig och fred" i svåra tider, medan han var på evakuering i Kaukasus: i Nalchik och Tbilisi. Konceptet före kriget "kom ut" operan i en enda ström, utan tvekan som ett svar från den patriotiska kompositören på de fruktansvärda händelserna under krigsåren.

Samma år den tredelade symfoniska sviten "1941" ("I strid, "Om natten" och "För folkens brödraskap") och kantaten för solister, kör och orkester "The Ballad of a Boy Who Remained Unknown ” med dikter av Pavel Antokolsky dök upp. verk, liksom i sångerna ”Tankman's Oath”, ”Warrior's Love”, ”Son of Kabarda”, strävar kompositören efter ett brett spektrum av genrer där de teman som oroade honom, som t.ex. varje sovjetisk person, kan uttryckas.Krigstemat ges direkt, i en "öppnad form", medan det i andra ryms i planens djup och uppfattas genom prismat av komplexa associationer.

Detta är hans sjunde pianosonat, fängslande med kraften i dess figurativa struktur, som är baserad på två fientliga elements sammandrabbning och hårda kamp. Den skapades under krigets mest intensiva tid, när landets öde skulle avgöras, när bilder av liv och död var så tragiskt sammanflätade. Den ljusa världen, i vars namn och för vars frälsning striden utkämpas, avslöjas i den fantastiskt melodiösa musiken i andra delen. Denna musik är av djup ädelhet, värme och renhet. Slutet är snabbt och kraftfullt. En lavin av ljud, rasande, okontrollerbara, samtidigt hårda och jublande, utspelar sig och rusar fram, förlitande på rytmens stålelasticitet.

Ingen av de nio pianosonaterna har ett litterärt program. Och ändå är den figurativa strukturen för var och en ganska tydlig. I den sjätte sonaten (1940) segrar viljan och klarheten, vid sidan av humor och lyrik, men i finalen konfronteras de med ett hårt och argt tema; i den åttonde (1944) dominerar texterna, bara framhävda av kontrasterande teman; i den sista, nionde sonaten (1947), är allt lätt, genomskinligt, höljt i ett töcken av antingen drömmande eller sorg, som en fin höstdag.

Sergei Prokofiev var en magnifik pianist, en känd artist av sin musik. Men andra pianister, som Sofronitsky, Neuhaus, Gilels, Yudina, Richter, och efter dem yngre, introducerade Prokofjevs sonater i deras repertoar och upptäckte fler och fler djup i denna rika värld av bilder, idéer och sinnestillstånd.

I Prokofievs sonater är det lättare att etablera innehållsmönster och arrangera dem i en sekventiell serie än i hans symfonier, som till stor del förknippas med teatermusik eller med tematiskt material avsett för andra genrer och former. Den andra symfonin var till viss del experimentell till sin natur och skrevs, med kompositörens ord, för att "erövra Paris" eller befästa "erövringen". Materialet för den tredje symfonin var, som antytts, musiken från operan "Fiery Angel", i den fjärde, precis som Stravinskys "Symphony of Psalms", beställd för Boston Orchestras 50-årsjubileum, alla tematiska teman är direkt relaterade till baletten "Förlorade son". Och bara de tre sista symfonierna - den femte, sjätte och sjunde - skrevs, liksom den klassiska, som verk med ett förut genomtänkt koncept. Om den femte symfonin (1944) skrev författaren: "Jag tänkte på den som en symfoni om den mänskliga andens storhet." Den har verkligen majestät och vilja, bredden och ljusstyrkan i Borodins episka berättelse om hjälten, drag som gör att symfonin liknar Prokofjevs mest monumentala verk, musiken till Alexander Nevskij, Ivan den förskräcklige och operan Krig och fred.

Den sjätte symfonin, som skrevs i slutet av 40-talet, borde enligt författaren förknippas med det nära förflutna, med ekon från krigsåren. Dess täta, dystra atmosfär för tankarna till den andra symfonin, övermättad med expressionistiska komplexiteter. En perfekt kontrast, antipoden till dessa symfonier, är den strålande och ungdomliga sjuan, komponerad 1952, ett av Sergei Sergeevichs sista verk. Allt om det är enkelt, klokt och lätt. Den lyriska spänningen i del I, den charmiga valsen av en skolbal - II, meditation - III och den soliga, ungdomliga, ringande, som stranden i Artek, final. Efter Haydn skrevs inte många sådana underbart glada symfonier i hela denna genres historia.

Prokofiev älskade barn och vände sig villigt till musik för unga lyssnare. I den muntra "Chatterbox" baserad på dikterna av Agnia Barto (1939), om "Peter och vargen" - en fascinerande berättelse om en orädd pionjär (1936), i den spännande, förståeliga även för den minsta, sviten "Vinterbrand " (1949), överallt där Prokofiev vänder sig till barn, kan man höra och känna kärlek till den nya tillväxten - jordens framtid.

En stor musiker, Prokofiev var också en stor arbetare, som ägnade femtio av sina sextiotvå år åt att komponera musik. Hans enorma talang, efter att ha blomstrat kraftigt i sin ungdom, utsattes för svåra prövningar på främmande mark. Efter femton års frånvaro, återvändande till sitt hemland, kände Prokofiev ett oemotståndligt behov av att förstå vad som hänt under åren i vårt land. Smart, noggrant "läste" livets bok, han förstod storheten i de revolutionära omvandlingarna som täckte alla aspekter av det sovjetiska samhällets och sovjetfolkets verksamhet. År 1937, för tjugoårsdagen av oktober, skapade han en kantat som hämtade texter från "Kommunistiska manifestet", "Teser om Feuerbach", från V. I. Lenins bok "Vad ska göras?" och från Sovjets konstitution. Union. Ett ovanligt verk med enorm konstnärlig och journalistisk kraft växte fram.

Och i slutet av 1950 framfördes ett högtidligt och strikt oratorium "Guarding the World" baserat på dikterna från S. Marshak. "Jag ville i detta stycke uttrycka mina tankar om fred och krig, förtroendet för att det inte kommer att bli något krig, att jordens folk kommer att försvara freden, rädda civilisationen, barnen, vår framtid", skrev författaren.

Man kan säga om Prokofiev: den store musikern hittade sin plats bland livets stora transformatorer.

Ilya Erenburg hade rätt när han skrev: "Han var en stor man, och ättlingar kommer inte att kunna förstå den svåra och härliga tid, som vi fortfarande har rätt att kalla vår, utan att lyssna på Sergei Prokofjevs verk och utan att tänka om hans extraordinära öde."

Kovaleva N.

Biografier och paralleller i två stora kompositörers liv och verk S.S. PROKOFIEV och D.D. SHOSTAKOVICH A

Ladda ner:

Förhandsvisning:

MOU DOD KIRISHI DSHI

KREATIVT ARBETE

"SAMTIDA"
S.S. PROKOFIEV och D. D. SHOSTAKOVICH

7:e klass musikavdelningen

Läraren Kuzovnikova R.M.

2011

SERGEY SERGEEVICH PROKOFIEV (1891-1953)

GUDARNAS BARN, PROKOFIEV

K. Balmont

Du är en solig rik man.

Du dricker solnedgången som honung.

Ditt vin är gryningen.

Dina harmonier, i kören,

De har bråttom att acceptera

I ett hastigt samtal

Blommor drömmer om en melodiös doft.

Plötsligt är du glad över att få ner natten i en gyllene ström.

Det finns smuliga gryningar någonstans långt borta

Som ett pärlband, och i deras lätta tvist

Den mörknande trädgården växer i ett hotfullt dån.

Och du, glömmer dig själv, men behåller ljuset

Stäppfjädergräs, vattnat på våren,

I de flimrande drömmarna, allt nytt, allt annorlunda,

Jag spelade frågor och svar med ett grässtrå,

Och i ditt ljud, släppa sjungande tecken,

På natten spelar du boll med silvermånen.

S. S. PROKOFIEVS LIV OCH VERK

1891 år - 23 april, i Sontsovka-gården, Ekaterinoslav-provinsen, föddes S.S. i chefens familj. Prokofiev. Pojken älskar naturen. Mamman studerar musik och främmande språk med sin son. Seryozha försöker fantisera på pianot och komponerar. Bland hans första verk är "Indian Gallop".

1900 – Resa till Moskva. Besök på Bolsjojteatern. Han skriver operan "The Giant" till sitt eget libretto.

1901-1902 – Iscensättning av operan "The Giant" med författaren i titelrollen i farbror Prokofievs hus. Han skriver operan "On Deserted Shores".

1. år - Pojken har extraordinära förmågor. På Taneyevs råd börjar han klasser med R. Gliere. Han skriver en symfoni och en opera baserad på Pushkins berättelse "A Feast in the Time of Plague".
2. år - Prokofiev kommer in på konservatoriet i St Petersburg. Provet leddes av Rimsky-Korsakov. Serezha lämnade in partitur om fyra operor, två sonater, symfonier och flera pianostycken till provet. På konservatoriet undervisas Prokofievs instrumentering av Rimsky-Korsakov, och kontrapunkt av A. Lyadov.

1909 – Prokofiev tar examen från konservatoriet som tonsättare. Vid slutprovet presenterade han den sjätte sonaten och finalen i operan "A Feast in Time of Plague".

1. år - Han tar examen från konservatoriet i piano och klarar proven lysande. Prokofiev tilldelades det första Rubinstein-priset - ett vackert piano. Prokofiev är en av de största kompositörerna och virtuosa pianisterna.
2. år - Prokofjevs musik utmärker sig genom sin fräckhet och "barbari". Han är engagerad i dirigering med N.N. Tcherepnina, blir senare en underbar dirigent. Han skriver den första pianokonserten, kallad "fotboll", en symfoni i e-moll, sex sonater, många pianostycken, operan Maddalena och den andra pianokonserten.

Prokofiev reser till London, Rom, Neapel. Kompositörens första möte med S. Diaghilev ägde rum i London. Prokofievs pianokvällar är en succé. Kompositören återvänder till sitt hemland och tar aktivt upp sin kreativitet, skriver baletten "Ala och Loliy", senare omarbetad till "Scythian Suite", pianocykeln "Sarcasms", den sångsagan "Den fula ankungen", operorna "The Gambler", "The Love for Three Oranges" , tredje pianokonsert.

1. år – Prokofiev ska till en resort i Essentuki. Möter V. Majakovskij. Han skriver en konsert för violin och orkester, den tredje och fjärde pianosonaten, cykeln "Fleetiness" och den "klassiska" symfonin.
2. år – Efter revolutionen reser Prokofiev utomlands. Han reser med tåg från Petrograd till Vladivostok och tar sig till Tokyo. Han väntar på visum för att komma in i USA, där hans konserter hålls. Sedan hamnar han i San Francisco, sedan i New York. I USA visar inte den amerikanska allmänheten intresse för kompositören, hans musik accepteras inte alltid.

1921 – Prokofiev flyttar till Paris, därifrån åker han på turné. Han kommer nära tonsättarna Honegger, Milhaud, Poulenc, Rachmaninoff, Ravel, de sex kompositörerna, artisterna Picasso och Matisse, Charlie Chaplin, dirigenterna Stokowski, Koussevitzky, Toscanini. Fortsätter samarbetet med Diaghilev. För sin trupp skriver han baletter "Stålsprång", "Prodigal Son", "On the Dnepr".

1927, 1929, 1932 – Prokofiev kommer till Ryssland på turné. Konserterna är en triumf.

1933 – Prokofiev återvänder till sitt hemland, Ryssland. De första fem åren åkte han ut på turné, sedan förbjöds han att lämna landet. Teman för Prokofievs verk förändras dramatiskt. Kompositören skriver musik till Sergei Eisensteins filmer "Alexander Nevsky", "Ivan the Terrible", operan "Semyon Kotko", "The Tale of a Real Man", oratoriet "On Guard of the World", baletterna "Romeo och Juliet”, ”Askungen”, ”Sagan” om stenblomman”, operan ”Förlovning i ett kloster” (”Duenna”), pianoverk.

1941 – I början av det stora fosterländska kriget evakuerades Prokofiev till Kaukasus.

1943 – Prokofiev återvänder till Moskva. Hälsan försämras kraftigt. Prokofjev faller i den sovjetiska ideologins kärv. Prokofievs musik erkänns av kritiken som formalistisk (ytlig) och antinationell. Arbeta med operan "Krig och fred". Arbetet tar många år. Kompositörens sista verk är den sjunde symfonin. Den lysande symfoniska cykeln är ett verkligt bevis på den store Mästaren till hans ättlingar.

1953 – Prokofjev dog den 5 mars, samma dag som Stalin. Kompositörens död, mitt i officiell sorg, gick helt obemärkt förbi. Bara hans närmaste vänner begravde honom.

DMITRY DMITRIEVICH SHOSTAKOVICH (1906-1975)

Musik av A. Akhmatov

Något mirakulöst brinner i henne,

Och framför våra ögon skärs dess kanter.

Hon ensam talar till mig,

När andra är rädda för att närma sig.

När den sista vännen tittade bort,

Hon var med mig i min grav

Och hon sjöng som det första åskvädret,

Det är som om alla blommor började prata.

D. D. SHOSTAKOVICHS LIV OCH VERK

1906 – Dmitrij Sjostakovitj föddes den 25 september i St Petersburg i en intelligent familj. Den framtida kompositörens mor hade en musikalisk utbildning. Pappa var kemiingenjör. Jag började spela musik sent. Framgångarna var häpnadsväckande inte bara i piano, utan också i komposition.

1. år - De första uppsatserna dyker upp.
2. år - Går in i St Petersburgs konservatorium.

1923 – Shostakovich tog examen från konservatoriet i piano. Kompositörens pianolärare var L. Nikolaev.

1925 år - Utexaminerad från konservatoriet i kompositionsklass. Kompositionslärare var M. Steinberg. Som sitt examensarbete presenterar Shostakovich den första symfonin, som gav honom stor berömmelse.

1927 – Sjostakovitj skickades till den internationella Chopin-tävlingen i Warszawa, där han fick ett hedersdiplom. Han skriver andra och tredje symfonierna, baletterna "The Golden Age", "Bolt", operan "The Nose", pianoverk, samt musik till filmerna "Alone", "Golden Mountains", "The Maxim Trilogy". ”.

1932 – Kompositören gifter sig med Nina Varzar.

1934 – Leningrad Maly Opera Theatre satte upp operan "Katerina Izmailova" baserad på N. Leskovs berättelse "Lady Macbeth of Mtsensk". Premiären blev en stor succé. Han skriver baletten "Bright Stream", börjar skriva den fjärde symfonin, den femte och sjätte symfonin dyker upp och en pianokvintett.

1937 – Shostakovich bjöds in till Leningrads konservatorium som professor i komposition och orkestrering.

1. år - Början av det stora fosterländska kriget. Skriver den sjunde symfonin ("Leningrad"). Kompositören evakueras med sin familj till Kuibyshev
2. år - Leningradsymfonin framfördes första gången i Kuibyshev. Den sjunde symfonin framförs i USA; poängen levererades med stridsflyg till New York.
3. år - Kompositören flyttar till Moskva. Flera verk skrevs: den åttonde symfonin tillägnad E. Mravinsky, den andra pianotrion till minne av Sollertinsky.

1948 – En resolution dök upp "Om operan "The Great Friendship of Muradeli", som också var riktad mot Shostakovich. Han får sparken från uterummet. Han skriver många verk: musik för filmer, oratoriet "Skogens sång", kantaten "Solen skiner över vårt hemland", den första konserten för violin och orkester, den tionde symfonin, många kvartetter, sångcykeln "Från judiskt Folkpoesi," pianocykeln "24 preludier och fugor."

1950-talet – Chrusjtjovs "upptining". Kompositören vänder sig till symfonisk kreativitet: han skriver den elfte, tolfte, trettonde, fjortonde, femtonde symfonierna och den symfoniska dikten "The Execution of Stepan Razin".

1961-1970 – Shostakovichs hälsa försämras märkbart. Han drabbas av två hjärtinfarkter och utvecklar en sjukdom i centrala nervsystemet. Shostakovich tillbringade lång tid på sjukhuset.

1975 – I maj kommer Sjostakovitj till kompositörernas kreativitets hus i Repino nära Leningrad. Han rör sig med svårighet och fortsätter att komponera en sonat för viola och piano.

Shostakovich är ett unikt fenomen i världsmusikkulturens historia. Hans verk, som ingen annan konstnär, speglade vår komplexa, grymma era, mänsklighetens motsättningar och tragiska öde, och förkroppsligade de chocker som drabbade hans samtida. Alla problem, allt lidande i vårt land på 1900-talet. han förde det genom sitt hjärta och uttryckte det i sina verk.

Få kompositörer var så erkända och firade under sin livstid som han. Han höjdes omedelbart till rangen av klassiker. Utländska utmärkelser och diplom var obestridliga - han var hedersmedlem i olika akademier, universitet och en pristagare av olika internationella utmärkelser. Det fanns också tillräckligt med sovjetiska utmärkelser. Men detta var morötter som balanserades helt av pinnen: genom resolutioner från SUKP:s centralkommitté förstördes han bokstavligen mer än en gång och anklagades för alla synder.

Kompositören var inte fri i sin kreativitet: han var tvungen att följa order. Till exempel, efter det berömda dekretet från 1948, där hans arbete kallades formalistiskt och främmande för folket, skickades han på en affärsresa utomlands, där han var tvungen att förklara för utrikeskorrespondenter att kritiken mot honom var korrekt, att han verkligen gjort misstag och hans rättade rätt. Han fick ta del av olika forum, möten, och lägga mycket tid på detta istället för att komponera musik.

Och detta var det viktigaste för Sjostakovitj. Han ägnade all sin tid åt det och komponerade överallt - vid sitt skrivbord, på semestern, på resor, på sjukhuset. Kompositören vände sig till alla genrer, och oavsett vilken genre han försökte sig på, föddes enastående verk under hans penna: baletter, operor, instrumentala stycken, konserter, sånger, romanser, musik för filmer. Men framför allt är Shostakovich en lysande symfonist. Det var i hans symfonier som 1900-talets historia, dess tragedi, dess lidande och stormar förkroppsligades.

S. Prokofiev är en av de musiker som gjorde storheten av rysk musik på 1900-talet. Han var en enastående pianist, dirigent och kompositör som arbetade inom alla genrer och lämnade exempel på oöverträffad perfektion i var och en. Början av århundradet är en explosiv, turbulent tid, och Prokofiev brast in i detta virvelvindsflöde som något unikt och innovativt. Det är inte förvånande att representanter för "Silveråldern" (som denna period i konsten kallades) inte förstod hans musik, och bara ett fåtal kunde se skaparen av en ny konst i honom. Han var en vågad, nyckfull konstnär som inte tolererade några klichéer, och hans verk var i regel ett nytt ord i konsten.

Prokofiev var en skapare av ljus, livsälskande konst. Ett allegoriskt porträtt av kompositören kan hämtas från rader från Mayakovskys dikt "A Cloud in Pants":

Från dig, som var våt av kärlek,

Från vilken tårar rann i århundraden,

Jag går, solen är en monokel

Jag sätter in den i det vidöppna ögat.

Han var verkligen en solig kompositör. Det är allmänt känt att kompositören startade ett album som heter "Vad tycker du om solen?" Svaret på denna fråga spelades in i albumet av många stora musiker, författare och artister. Den berömda pianisten Arthur Rubinstein skrev följande ord i detta album: "Jag förstår solen bäst tack vare flera briljanta personligheter som jag har turen att bli bekant med. Solkungen sa: "Staten är jag!" Du, min kära Prokofiev, skulle kunna säga: "Solen är jag!" Detta solljus var oförstörbart, och Prokofiev bar det genom alla kollisioner i sitt svåra liv. Allt som återstår är att lista kompositörens huvudverk.

Opera: "Maddalena" (1911), "The Gambler" (1916), "The Love for Three Oranges" (1919), "Fiery Angel" (1919-1927), "Semyon Kotko" (1939), "Duenna" ( ”Trolovning”) i klostret”, 1940), ”Krig och fred” (1941-1943), ”Sagan om en riktig man” (1947-1948).

Baletter: "Sagan om en gycklare som lurade sju gycklare" (1915-1927), "Stålsprång" (1925), "Förlorade son" (1929), "On the Dnepr" (1930), "Romeo och Julia" (1936), "Askungen" (1944), "Sagan om stenblomman" (1948-1950).

För symfoniorkester: 7 symfonier (1916-1952), Symfoni - konsert för cello och orkester (1952), "Scythian Suite" (1914), symfonisk berättelse "Peter and the Wolf" (1936), symfonisk svit "Waltzes" (Två Pushkin-vals, 1946), sviter, dikter, ouverturer, etc.

Vokala och symfoniska verk: "Sju av dem" (1917),"Alexander Nevsky" (1938), "Zdravitsa" (1939), svit "Winter Fire" (1949), oratoriet "Guardian of the World" (1950).

För piano: 9 sonater, "Sarcasms" (1914), "Fleetingness" (1917), "Tales of an Old Grandmother" (1918), "Children's Music" (1935).

Konserter med orkester: 5 för piano (1911 - 1932), 2 för violin (1917, 1935), 2 för cello (1938, 1950)

Musik för teater och mycket mer.

Prokofiev och Sjostakovitj. Två stora kompositörer, vars namn länge har blivit klassiker från 1900-talet, vars verk väckte ständig uppmärksamhet från kritiker, musikforskare, professionella musiker och helt enkelt musikälskare.

Prokofiev. Skapare av ljus, livsälskande konst. Prokofievs musik brast in som en virvelvind, som något unikt och nyskapande i det tidiga 1900-talets turbulenta tid. En kompositör som alltid förblev sig själv.

Sjostakovitj. Hans verk speglar modernitetens komplexa, motsägelsefulla era. Kompositören kallas med rätta krönikören av vårt lands historia. "Hans minne, hörsel, tankenoggrannhet och tankesnabbhet, förmåga att omedelbart hitta det han behöver utan att spendera mycket tid på letande, lätthet och lätthet för kreativitet - i alla dessa och många andra egenskaper har han nästan ingen motsvarighet", sa han den berömda pianisten och läraren Heinrich Neuhaus.

Hur olika är inte dessa två kompositörers öden, hur olika är deras kreativa strävanden! Men samtidigt berördes deras liv och kreativa vägar, och mer än en gång.

Sergei Sergeevich Prokofiev föddes 1891 i familjen till en agronom. Den första läraren var modern, Maria Grigorievna, som helt tog på sig sin sons uppfostran, lärde honom musik och främmande språk.

Dmitry Dmitrievich Shostakovich föddes 1906 i St. Petersburg (Leningrad). Han började studera musik vid nio års ålder.

Prokofievs allra första pjäs är "The Indian Galopp". Vid nio års ålder, efter en resa till Moskva och ett besök på Bolsjojteatern, komponerade han 1900 operan "Jätten" till sitt eget libretto.

Sjostakovitjs första kompositioner dök upp när han var 12 år gammal. De kallades: "Begravningsmarsch till minne av revolutionens offer", "Psalm till frihet".

Låt oss uppmärksamma titlarna på Shostakovichs första verk.

Deras utseende förklaras av det faktum att den framtida kompositören vid 8-11 års ålder bevittnade första världskriget, februari- och oktoberrevolutionerna.

Vid 13 års ålder gick både Prokofjev och Sjostakovitj in på St Petersburgs konservatorium. Våren 1909 tog Prokofiev examen från konservatoriet som tonsättare och 1914 som pianomajor.

Shostakovich tog också examen från konservatoriet både som pianist och kompositör. Hans första symfoni, skriven omedelbart efter examen från konservatoriet, gav omedelbart den 19-årige musikern stor berömmelse.

Kompositörernas livsvägar korsades för första gången 1927, när Prokofiev kom till Sovjetunionen för en kort tid och tillsammans med uppträdanden i Moskva, Leningrad, Kiev, Odessa träffade han musikervänner. Det var under detta besök som Prokofiev upptäckte begåvade unga kompositörer och artister, inklusive 20-årige Dmitri Shostakovich.

1932 återvände Prokofiev äntligen till Sovjetunionen.

Under hela sin intensiva och händelserika karriär hade både Prokofiev och Shostakovich möjlighet att träffa många begåvade människor. Bland dem finns 2 regissörer: en, Sergei Eisenstein - filmregissör; den andra, Vsevolod Meyerhold, är teatralisk.

Som ett resultat av deras vänliga kommunikation dök gemensamma projekt upp, till exempel filmen och kantaten "Alexander Nevsky" och "Vägglusen".

Dessa tonsättares figurer är också lika genom att nästan alla genrer är representerade i deras verk. S. Prokofiev: opera, balett, symfoni. D. Shostakovich: symfoni, kvartett

Det stora fosterländska kriget började. Kompositörer svarade på denna viktiga händelse i vårt lands historia med verk i olika genrer. Således är Prokofiev upptagen med att komponera operan "Krig och fred" baserad på Leo Tolstojs roman.

Det bör noteras att kompositörerna visade intresse för varandras verk. Således talar Shostakovich om "Krig och fred" i tidningen "Sovjetmusik" enligt följande:

"...Medan jag var i Moskva hade jag turen att bekanta mig med "Krig och fred". Tyvärr var min bekantskap ganska flyktig och förhastad. Jag åtar mig inte att analysera. Men det förefaller mig att de första 4 bilderna är verkligen magnifika. När jag spelade dem blev jag andfådd av förtjusning och spelade några ögonblick många gånger, vilket försenade hela bekantskapen: det fanns inte tillräckligt med tid att spela allt."

Naturligtvis är Shostakovichs enastående verk, som är kompositörens direkta svar på de fruktansvärda händelserna under de första månaderna av kriget, den sjunde symfonin, kallad "Leningrad", i den första delen av vilken den berömda "invasionsavsnittet" låter. .

Redan före andra världskrigets början skrev Shostakovich variationer på ett ständigt tema. Temat är enkelt, som att dansa. Den ackompanjeras av takten från en virveltrumma. Det lät först harmlöst, växte sedan till enorm makt och växte till en enorm symbol för förtryck. »

Den 10 februari 1948 utfärdades ett dekret från centralkommittén för bolsjevikernas kommunistiska parti om kampen mot formalism i musik. Tillsammans med Sjostakovitj anklagades S. Prokofiev, A. Khachaturian, N. Myaskovsky, V. Shebalin för formalism.

I september 1948 utvisades Sjostakovitj från konservatorierna i Leningrad och Moskva, där han undervisade i kompositionsklasser. Sedan dess undervisade han aldrig igen, och först 1961 återvände han kort till Leningrads konservatorium - han undervisade doktorander, sedan lämnade han det för alltid.

Nästan alla verk av Prokofiev och Shostakovich förbjöds i flera år och framfördes inte. Därmed förlorade tonsättare det viktigaste, utöver sin försörjning, - friheten att skapa. Vi kan bara föreställa oss vad de upplevde i sitt kreativa outtalade - dessa två genier, drivna in i ett hörn, som jagade djur...

När allt kommer omkring var Shostakovich i toppen av sin mäktiga talang, han var bara 42 år gammal. Men hur starkt slaget var, kan en lista över hans verk under 6 år (före Stalins död 1953) berätta.

Det är okänt hur Prokofiev reagerade på denna grymma kritik.

Han uttalade sig aldrig i denna fråga. Han var tyst. Men det här kunde naturligtvis inte annat än påverka honom. Kanske var det dessa händelser som till slut undergrävde hans hälsa. Det sista verket som kompositören fick en chans att höra i konserthuset var den sjunde symfonin. Detta var 1952.

Den sjunde symfonin var ursprungligen tänkt som ett verk för barn. Under arbetets gång föddes musik som gick utanför ramarna för en "barnsymfoni", men dragningen till barnbilder spelade en viktig roll i komponeringsprocessen. Detta i huvudsak "farväl"-verk kombinerar lugn, livsvisdom och minnens ljusa sorg, en rent barnslig kärlek till allt mystiskt och underbart.

Dmitrij Sjostakovitj talade om Prokofievs sjunde symfoni på följande sätt: "Jag tror inte att det kan finnas människor i världen som är likgiltiga för sådan underbar skönhet ... Men han komponerade denna musik - öm och glad, som doften av blommor, som en barnsång, musik framförd av outtömlig hälsa och vitalitet, den här musiken komponerades av en 60-årig man - livet för en stor artist brände ut redan på den tiden. Den sjunde symfonin var dess nedgång. Vilken kraftfull viljan styrde konstnärens medvetande! Jag tänker på det med ofrivillig beundran."

Prokofievs död var en chock. Inte långt innan detta framfördes Prokofievs sjunde symfoni för första gången, vilket gjorde Sjostakovitj mycket upphetsad. Det är till och med känt att han skrev ett entusiastisk brev till författaren.

P.S. - "Jag gratulerar dig varmt till din nya symfoni. Jag lyssnade på den igår med stort intresse och glädje från första till sista tonen. Symfonin visade sig vara ett verk av hög perfektion, djup talang. Detta är ett verkligt mästerligt verk. ”

En hyllning till den enorma respekten för Prokofjevs arbete var Sjostakovitjs vägran att ställa upp för Leninpriset, eftersom han ansåg att Prokofjev borde vara den första att tilldelas denna höga titel. Sjostakovitj tilldelades Leninpriset i april 1958 för sin elfte symfoni.

PROKOFIEV OM KREATIVITET...

Jag har tron ​​att kompositören; som en poet, skulptör, målare är han kallad att tjäna människan och folket. Han måste dekorera mänskligt liv och skydda det. Han är först och främst skyldig att vara medborgare i sin konst, att glorifiera mänskligt liv och leda människor till en ljus framtid. Detta är, från min synvinkel, konstens orubbliga kod

SHOSTAKOVICH OM KREATIVITET...

Musik följer en person hela livet...

Det är svårt att föreställa sig ett mänskligt liv utan musik. Utan ljuden av musik skulle hon vara ofullständig, döv, fattig. Musikälskare och kännare föds inte, utan blir... För att älska musik måste du först och främst lyssna på den. Älska och studera musikens stora konst. Det kommer att öppna upp för dig en hel värld av höga känslor, passioner, tankar. Det kommer att göra dig andligt rikare, renare, mer perfekt. Tack vare musiken kommer du att hitta nya styrkor i dig själv som tidigare var okända för dig. Du kommer att se livet i nya toner och färger.

Sergej Prokofjev, 1900-talets ryska geni, blev 125 år gammal. En av de största kompositörerna i den ryska musikens historia, Sergei Prokofiev lämnade ett stort arv. Men idag skulle jag vilja påminna alla om kompositörens verk, utan vilka inte bara rysk kultur utan också världskultur är omöjlig. Prokofiev gjorde det! Grattis på födelsedagen, Sergey Sergeevich!

"Peter och vargen"

På något sätt visade det sig att på världsrankingen är detta det främsta, mest populära och mest igenkännliga verket av Sergei Prokofiev och ryska klassiker från 1900-talet - kanske också. Den symfoniska sagan har framförts otaliga gånger av alla – från Mikhail Gorbatjov och Peter Ustinov till David Bowie och Sting med Claudio Abbado. Det är mycket viktigt att barns inträde i den symfoniska musikens värld över hela världen traditionellt sker med hjälp av vår Petya och vargen.

Sergej Prokofev lämnade Ryssland våren 1918 och återvände våren 1936. Under dessa år var han i Ryssland endast två gånger på turné - 1929 och 1932. Och så - han bodde främst i USA, med sin spanska fru och var vördad som en seriös avantgardekompositör. "Peter och vargen" är hans första verk skrivet i hans nya sovjetiska hemland för Natalia Sats barnteater. Innan detta fanns det ett soundtrack för den stora filmen "Löjtnant Kizhe", men Prokofiev uppfyllde denna order från det sovjetiska kulturministeriet från utlandet. Men "Peter och vargen" är en sådan bro mellan kulturer och dess fantastiska popularitet bygger delvis på detta också. Vi erbjuder två animerade versioner av den här historien - inhemsk, docka och europeisk, från 2007

"Alexander Nevskiy"

Purister kan förebrå Samkult för vårdslöshet, de säger, "Alexander Nevsky" av Sergei Prokofiev existerar i form av olika verk, men vi pratar inte om verken, utan om det faktum att Sergei Prokofiev, som var ivrig att återvända till sitt hemland och var entusiastisk över att arbeta för den sovjetiska regimen, skrev redan före kriget (1938) en riktig hymn om rysk patriotism till Eisensteins film. "Stå upp, ryska folk!" - samma stridssång av ryska krigare som står i vägen för hundriddarna. Och frasen: åh, ringbrynjan är kort! - uttalas till denna musik. Och hur många ryssar, med dessa ord och denna larmmusik, gick för att dö för sitt fosterland? Naturligtvis finns det en viss motsägelse i detta - gårdagens modernistiska kompositör, övermatad av myndigheterna, skriver en pseudo-rysk sång. Men det var Prokofiev som hade en sådan rätt även vid födseln. Hans mor, en utmärkt pianist, kom från bönderna i Sheremetev-grevarna, som alltid fick en utmärkt utbildning. Det var hans mamma som drev Seryozha att studera musik, och pojken från Donetsk-steppen blev en stor kompositör på 1900-talet.

"Romeo och Julia"

Denna fantastiska balett har det mest populära musiktemat på Internet, från Prokofievs penna. Kanske kommer finsmakare att bli förvånade, men detta är "Riddarnas dans". Prokofjevs balett är lika mycket ett visitkort för Ryssland på 1900-talet, som Tarkovskijs filmer och Akhmatovas poesi. Det är ett av de mest populära balettverken i världen, iscensatt av alla och överallt. Baletten skrevs innan han återvände till Sovjetunionen och dess slut var optimistiskt, till skillnad från Shakespeare, men sedan publicerades artikeln "Förvirring istället för musik", där Shostakovich kastades i papperskorgen och kompositörerna var mycket rädda. Prokofiev skrev om slutet och gjorde det tragiskt. Som Shakespeare.

Hovmästare Prokofiev

Sergei Sergeevich, som återvände till Sovjetunionen, förstod att riskerna var stora, men berömmelsen och möjligheterna som väntade honom tillät honom att ta risker. Prokofiev fick Leninpriset och sex Stalinpriser! Ett av hans enastående verk är kantaten för Joseph Vissarionovichs 60-årsjubileum. Det som ger detta verk av totalitär postmodernitet en speciell pikantitet är det faktum att kantaten påstås ha skrivits på grundval av folkvisor. Eller rättare sagt, pseudo-folk, som imiterar folklore och människors kärlek till ledaren.

Okänd Prokofiev

1948 bröt ett åskväder ut över Prokofievs huvud. Han föll under en annan kampanj för att bekämpa. Den här gången kämpade man mot formalismen, mot avvikelser från den socialistiska realismens principer. Och Prokofjevs sjätte symfoni, tillsammans med den experimentella operan "Sagan om en riktig man", slogs i bitar. Symfonin erkändes senare som ett mästerverk och framförs regelbundet, men operan var inte lika lyckligt lottad. Premiären ägde rum först efter kompositörens död den 7 oktober 1960 på Bolsjojteatern. 2002 ägde en konsertföreställning av operan rum under ledning av V. A. Gergiev. 2005 sattes operan upp av D. A. Bertman på Helikon Opera (Moskva) under titeln "Fallen from the Sky." För sin produktion använde Bertman en förkortad version av operan av A. G. Schnittke, med musikmaterial från Prokofievs kantat "Alexander Nevsky". Samma år sattes Prokofievs opera upp (med snitt) på Saratovs operahus. Operan har aldrig satts upp i sin helhet (utan klipp). Men ändå spreds det till memes även under tiden före Internet: kallbrand, kallbrand, hans ben kommer att skäras av - alla vet detta från skolan. Och detta är också Prokofiev.

Optimism och uppriktig tro på människan löper som en röd linje genom Sergej Prokofjevs arbete. Kompositören sökte inspiration i själva livet, och hans verk blev ett verkligt fenomen i musikens värld. Sergei Sergeevichs samtida kunde ibland helt enkelt inte förstå den frenetiska och ovanliga grymheten i ljudkombinationer i hans verk, och kompositören själv fick smeknamnet förstöraren av akademismens grunder.

Sugen på nyhet sedan barndomen

Prokofievs bekantskap med musik började vid fem års ålder. Pojken visade stort intresse för att skriva och tack vare sin mamma, som spelade piano, hade han redan vid tio års ålder skrivit sina första operor - "På de öde öarna" och "Jätten". Vid olika tillfällen var hans lärare Reinhold Glier, Nikolai Rimsky-Korsakov, Anatoly Lyadov, samt Joseph Vitol och Anna Esipova. Vänner och kollegor noterade att Prokofievs arbete är genomsyrat av en anda av kreativ energi, mångsidigt, fullt av lyrik, drama, psykologism och, naturligtvis, humor.

Naturligtvis var kompositören ett fenomen för sin era, eftersom han vidgade gränserna för musikuppfattning och var inte rädd för att använda många uttrycksfulla medel. Hur var det för en ung man som alltid drogs till experiment och nya ljud? Det akademiska utbildningssystemet tolererar än i dag inga friheter, och vid den tiden fördömdes varje kärlek till frihet, milt uttryckt,.

"Det finns ingen sorgligare historia i världen än Prokofjevs musik i balett"

Efter examen från konservatoriet hade Sergei Prokofiev redan avslutat arbetet med flera stora verk, med vilka han gick på konserter i London, Rom och Neapel. Han lockade ingen stor publik, men den ryske kompositörens pianokvällar i varje stad var en framgång. Redan i Ryssland arbetade Sergei Sergeevich på "Scythian Suite" för orkester, operan "The Gambler", pianocykeln "Sarcasms" och den vokala sagan "The Ugly Duckling".

Prokofievs liv som kompositör i vårt land var aldrig lätt. Hans verk accepterades inte, fördömdes, skälldes ut för obegripliga tekniker. I synnerhet verkade musiken till baletten "Romeo och Julia" först för komplicerad för alla. Orkestern och balettgruppen beslutade enhälligt att ställa in produktionen två veckor före premiären. Många skämtade då: "Det finns ingen sorgligare historia i världen än Prokofjevs musik i balett." Det gjorde att premiären drog ut på i fem år. Och bara det oväntat varma mottagandet av allmänheten kunde övertyga dansarna och musikerna om att det nya förhållningssättet till Shakespeares odödliga verk bara visade på musikalkonservatorn Prokofievs nya syn på musikkonsten.

Stål Trust

Han togs dock emot med råge utomlands! 1918 började kompositören turnera utomlands, vilket varade i cirka 18 år! Charlie Chaplin, Henri Matisse, Pablo Picasso och Arturo Toscanini var vänner med Sergei Sergeevich. Den europeiska allmänheten visade intresse för musikalisk aggressivitet, så ovanligt för den tiden. Så här skrev den parisiska pressen om en av konserterna 1921: ”När dottern till en dinosaurie tog examen från konservatoriet fanns Prokofiev på hennes repertoar... Stålfingrar, stål handleder, stålbiceps, ståltriceps... Detta är inte musik, utan ett sunt stålförtroende ...".

Sista dagarna med musik

Prokofiev drogs till sitt hemland och han bestämde sig för att återvända hem. "Jag måste prata med människor av mitt kött och blod så att de ger mig tillbaka det jag saknar här - deras sånger. Mina sånger...” sa Sergei Sergeevich.

Men obehagliga nyheter väntade honom i Sovjetunionen. Tyvärr ignorerade den sovjetiska ideologin inte kompositörens utländska framgångar. 1948 anklagades han för att sympatisera med västerländsk kultur. Censuren har gjort sitt jobb. Prokofiev upplevde den uppenbara orättvisan i statlig skala med svårighet, nervösa sammanbrott undergrävde hans hälsa. Sedan 1949 flyttade han till sin dacha i byn Nikolina Gora, där han bodde helt ensam, men inte ens då skilde han sig från musik. Kompositören fortsatte att arbeta på operan "The Tale of a Real Man", oratoriet "Guardian of the World" och baletten "The Stone Flower".

Sergei Sergeevich dog den 5 mars 1953. Kompositörens arbete kan bäst beskrivas med Prokofjevs ord: "Jag gillar inte att vara i ett tillstånd, jag gillar att vara i rörelse." Han njöt av livet, varje dag försökte han se något bra i omvärlden och trots politisk press trodde han på mänskliga ideal. Hans musik var densamma - djärv och fri...